Jack Nicholson, semblanza de un actor enérgico e inclasificable

Jack Nicholson no necesita presentación, comenzó siendo Nick, el payaso de la clase, en su infancia y hoy es uno de los actores vivos más premiados. Con doce nominaciones a los Oscar, de los que ganó tres, seis Globos de Oro y casi 60 años en activo, es interesante recordar su legado cinematográfico, aunque su última aparición en la pantalla grande fuese en un papel de reparto en la película ¿Cómo sabes si..? dirigida por James L. Brooks en 2010

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Karyn Kusama: Una perspectiva distintivamente femenina

Las películas de la directora de cine y televisión Karyn Kusama (1968) se han destacado por sus fuertes convicciones feministas y en casi todas sus películas ha presentado protagonistas femeninas, a menudo, con sus defectos y debilidades, explorando temas existenciales como la pérdida, la desesperación y la ansiedad en sus películas. 

Kusama nació en Brooklyn, pero creció en St. Louis, Missouri, en el seno de una familia de psiquiatras e hija de padre japonés. En 1990, obtuvo un BFA en Cine y TV de la Escuela de Artes Tisch de la Universidad de Nueva York donde ganó el Mobile Prize para estudiantes llamado Sleeping Beauties

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Martin Ritt: Un director que se enfrentó al engranaje de Hollywood

Perseguido y censurado por el Comité de Actividades Antiamericanas (Comité de Actividades No Americanas de la Cámara o Comité de Actividades No Americanas de la Cámara), siglas en inglés: HUAC y HCUA marcó profundamente la carrera como director de Martin Ritt.

Los temas que influyeron en Ritt a lo largo de los años fueron: la corrupción, el racismo, la intimidación de la persona por parte del grupo, la defensa de la persona contra la opresión del gobierno y ,más notablemente, la calidad redentora de la misericordia y el valor de proteger a otros del mal, incluso a costa de sacrificar la propia reputación, carrera o vida. 

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“La petite Lise” de 1930 dirigida por Jean Grémillon

“Los procedimientos rigurosos  por sí solos son  el camino que conduce a las regiones olvidadas de las personas y las cosas, no por curiosidad o placer, sino para encontrar o redescubrir su secreto con más exactitud. Sin tiempo y disciplina, ninguna tarea podrá ser realizada dignamente” 
Si “Bajo los techos de París” de 1930 dirigida por René Clair, fue un  film de gran importancia por sus diálogos, por el uso del sonido ambiente y, como no, por la música y que ejerció una influencia directa en los inicios del llamado Realismo poético francés, “La petite Lisa” (1930) de Jean Grémillon, es considerada un anticipo del fatalismo melancólico y el compromiso con los marginados típicos del movimiento cinematográfico que nos ocupa.
 
Jean Gremillon (1901-1959), músico, compositor y escritor, fue un artista completo y singular, que a pesar de haber caído en el olvido popular, sigue siendo uno de los directores más importantes en la historia del cine francés.
Nacido en una familia humilde de la Baja Normandía en Cerisy-la-Forêt, el joven Grémillon tuvo que imponerse a los deseos de su padre para estudiar música. En 1920 se trasladó a París para estudiar en la Schola Cantorum de París. Se unió a la vanguardia musical y teatral de la década de 1920, donde trabajó como pianista acompañante de películas silentes y poco después aceptó realizar cortos relacionados con el mundo laboral.
En 1929 dirigió “Lightkeepers”, producida por Jacques Feyder, que fue todo un éxito y le llevó a conocer al guionista y escritor de origen belga Charles Spaak, con el que realizó La Petite Lise. Ésta última película fue un fracaso de taquilla y de crítica, provocando su expulsión inmediata de los estudios Pathé-Natan. Lo que es sorprendente y  difícil de creer, es que la fue despreciada en su tiempo por ser una fiel representación del pueblo francés. En 1932 realizó la magnífica “Daïnah la métisse” con la productora Gaumont, pero el prestigio de Gremillon había quedado seriamente afectado
Después de la liberación de Francia, Gremillon comenzó varios proyectos de películas históricas y sobre objetivos revolucionarios, como la Comuna de París o la Guerra Civil española, pero ninguno salió a la luz debido al abandono y el rechazo por parte de los productores.
Después de cuatro años sin conseguir que sus películas se hicieran realidad, y tras la filmación de varios documentales, entre ellos uno sobre el pintor André Masson, Jean Grémillon murió prematuramente a los 58 años. Casi todo el material rodado por Gremillon se consideró perdido, hasta que en la década de los años sesenta, sus películas fueron recuperadas y restauradas
 Es cierto que muchas de sus películas fueron encuadradas en el contexto del realismo poético, sin embargo Grémillon rechazó lo que él llamó el “naturalismo mecánico” en favor de :

” El descubrimiento de esa sutileza que el ojo humano no percibe directamente, pero que debe demostrarse estableciendo las armonías, las relaciones desconocidas, entre los objetos y los seres; Vivificante, fuente inagotable de imágenes que golpean nuestra imaginación y encantan nuestros corazones “

Tal vez por ello, no consiguió hacerse un hueco entre los directores de realismo más consolidado bajo la vigilancia del Frente Popular.  A partir de la segunda mitad de los años treinta, la fórmula de dicho movimiento quedó fijada y los recién llegados o los más innovadores no tenían más alternativa que caminar por esta estrecha vía de la verdad social convertida en arte.
Gremillon era un hombre ambicioso, que había querido mostrar las tragedias humanas de la vida cotidiana, pero que en su deseo perfeccionista, como escritor,  compositor de  música y también como pintor de gran sensibilidad quiso dar a sus personajes una profundidad y un tratamiento psicológico que no parecía encajar con el realismo más estricto.
Estaba fascinado por los personajes de Shakespeare, fue educado en  las ideas Chouans  y había reconocido y profesado la solidaridad de los trabajadores. Pero Grémillon fue más lejos en su búsqueda, a través de una especie de intuición, del otro lado de la gente, sabía descubrir en ellos una riqueza de ambigüedad y virtudes trágicas que sin él tal vez habría permanecido inexplorado
Jean Grémillon en Bretaña
Según la actriz Madeleine Renaud, “Él era muy humano, sin exageración. Quiero decir: tenía mucha compasión. Su actitud hacia los actores lo demuestra; No nos consideraba elementos de sus propias construcciones. No nos redujo al papel de materiales que eran buenos para construir sus propios diseños arquitectónicos, nos entendía, nos amaba, quería vernos haciendo lo mejor. Nuestra profesión puede ser  aterradora, pero él se deshizo del miedo. El malestar es útil, pero el miedo es paralizante. Cuando rodamos bajo su dirección, sólo teníamos que dejarnos ir “
Madeleine Renaud en “Le ciel est à vous” dirigida por Jean Grémillon
Madeleine Renaud

Sin embargo, durante su encarcelamiento, Lise ha recurrido a una vida de prostitución y junto a su proxeneta, André ( interpretado por Julien Bertheau) tiene un plan para obtener suficiente dinero y escapar de vida actual. Cuando Victor llega a París, comienza a reconstruir su vida y encuentra trabajo, pero desconoce la  vida que lleva su hija y del peligro en el que se encuentra. Cuando su hija puede ser acusada de asesinato, Víctor encuentra la oportunidad de redimirse salvando a su hija mediante su propio sacrificio.

 En La Petite Lise, hay muchas escenas de gente trabajando, y hay una breve secuencia que muestra París por la mañana: las luces de los clubes de neón, los barcos que cruzan el Sena, los trabajadores de la construcción, los coches y los camiones en una calle arbolada. La escena ofrece una muestra del París moderno, industrial, y un pequeño detalle de sus consecuencias: un vagabundo durmiendo en un banco.
La pobreza de los personajes de La Petite Lise hace referencia a una pobreza eterna y legendaria, transmite la sensación de que Víctor y Lisa son víctimas de su propio destino, que su caída e imposibilidad de reinserción no es culpa de nada, ni de nadie. La película se siente inusualmente comprometida con sus personajes principales y nunca emite un juicio sobre ellos, presentando su confusión moral con franqueza e, incluso, con simpatía

 Otro hecho que caracteriza el cine de Gremillon es el manejo del sonido. Parece como si el director pensara que una ventaja del sonido es poder hacer cosas, como sustentar un plano en base a los diálogos sin tener necesariamente que mostrar sus rostros. Del mismo modo el esperadísimo y emotivo encuentro entre padre e hija aparece fuera de plano y solo lo escuchamos por los diálogos entre ambos.

 Se ha dicho en alguna ocasión que rara vez un cineasta ha amado el humo tanto como lo hizo el director Jean Grémillon. La Petite Lise está llena de él: en las habitaciones, entre las paredes de la prisión, las calles de la ciudad y los espacios públicos. Para Gremillon el humo parece su musa, su maestro y actor principal que se regenera  y desaparece rápidamente, tanto en la atmósfera como en el corazón y la mente de sus personajes oprimidos.

En la prisión de Cayenne, prisioneros rodeados de humo
El humo es un protagonista más del cine de Grémillon
Nadia Sibirskaïa interpretando a Lise
 Nadia Sibirskaïa interpretando a Lise 
 Nadia Sibirskaïa interpretando a Lise y André interpretado por Julien Bertheau
Escenas del cabaret de Jazz en el momento de la detención
Director: Jean Grémillon
Guión Charles Spaak

Fotografía: Jean Bachelet (B&W)
Música: Roland Manuel

Productora: Pathé-Natan
Reparto: Pierre Alcover, Joe Alex, Alex Bernard, Julien Bertheau, Raymond Cordy, Lucien Hector, Alexandre Mihalesco, Pierre Piérade, Nadia Sibirskaïa, Ernst Léardée  

 

“Accattone” de 1961 dirigido por Pier Paolo Pasolini

El film Accattone de 1961 supuso el  debut cinematográfico del iconoclasta y polifacético director  Pier Paolo Pasolini, aunque ya había logrado gran notoriedad y fama como escritor y poeta. La película se inspira en I Vitelloni  de 1953 y dirigida por Federico Fellini , director por el que sentía una gran admiración y con el que colaboró en varios guiones, como Las noches de Cabiria  o La Dolce vita

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“Il grido” ( El Grito) de 1957 dirigida po Michelangelo Antonioni

“Rara vez siento el deseo de releer una escena el día antes del rodaje. A veces llego al lugar donde se va a hacer el trabajo y ni siquiera sé a qué voy a disparar” Michelangelo Antonioni para Cahiers du cinema (1960) 

En cine hasta el amanecer, no podía faltar esta primera gran película de Michelangelo Antonioni, “Il Grido” de 1957. El joven Antonioni, apasionado por la música, el dibujo y las Letras, se inició en el cine como ayudante de dirección de Marcel Carnè y al igual que Luchino Visconti, que trabajó con Jean Renoir, quedó muy influenciado por el cine del realismo poético francés. Ambos directores, ayudaron a cimentar las bases del neorrealismo italiano . Escribió numerosos guiones para distintos directores, entre ellos Federico Fellini y , prácticamente, el de todas sus películas.
En “Il Grido” Antonioni nos muestra la realidad  de la Italia de los años de la post guerra, en blanco y negro, con personas viviendo en extrema pobreza, hambrienta e inmersa en profundos cambios sociales promovidos por un proceso de industrialización imparable. En la película, advertimos de fondo un conflicto obrero, que intenta luchar contra dichos cambios, pero la auténtica historia es el drama personal que sufre Aldo ( Steve Cochran) cuando es abandonado por su amada Irma ( Allida Valli)
Aldo, no comprende cómo ha perdido el amor de Irma y trata de resucitarlo mediante todos los recursos que conoce: con regalos, con la fuerza de su amor o incluso, con violencia. Finalmente, ante la firmeza de Irma, Aldo abandona el pueblo, llevándose a la hija de ambos, la pequeña Rosina ( Misna Girardi).
La atmósfera es lúgubre y brumosa, un paisaje con la niebla del Norte de Italia en la región del Po, que le confiere un aspecto pobre, sucio y abandonado. En éste ambiente Aldo quiere escapar de su desamor y busca retomar una antigua relación con Elvia (Betsy Blair ). Elvia, después de siete años, cuando Aldo la abandonó, no ha conseguido retomar su vida y, espera aprovechar esta segunda oportunidad que le brinda el destino. Sin embargo, se cruza la pequeña y sensual Edera y sucumbir a la tentación, hará que Aldo se marche para siempre.
En su vagabundeo Aldo conocerá a Virginia ( Dorian Gray) una mujer fuerte, que gestiona una gasolinera de carretera y cuida de su padre alcohólico. Entre ellos surgirá una atracción, que se verá enturbiada por las obligaciones en el cuidado del padre anciano y la pequeña Rosina . Sin embargo, cuando consiguen deshacerse de sus respectivas obligaciones, la soledad, la incomunicación y la falta de amor es insostenible.
Aldo sigue su particular huida, y termina conociendo a Andreina ( Lynn Shaw) una joven que trabaja como temporera en los campos del Valle de Verccelli de Arroz Amargo , y el resto del año vende su cuerpo para poder comer. Ella creee que Aldo, luchará junto a ella para salir adelante, pero el vacío existencial en el alma de Aldo, hace que no sea capaz de superar la ruptura con Irma, quedando estancado en una insoportable sensación de abandono.
Incapaz de empezar una nueva relación, sin trabajo, agotado por la angustia, Aldo decide regresar a su pueblo y tratar de volver junto a Irma. Aldo es presa de la fatalidad de su destino y, al igual que los protagonistas del realismo poético francés, sucumbe ante su desesperación y pesimismo.
La música de piano de Giovani Fusco, es un contrapunto perfecto para el ánimo abatido de Aldo, que junto al ambiente brumosos, transmite ese sentimeinto de soledad e incomunicación que rodea a todos los personajes.
Una película conmovedora que conteniene gran parte de los temas que serán recurrentes en el futuro cine de Michelangelo Antonioni. Donde habitan unos personajes individuales llevados a situaciones críticas condicionados por su entorno, casi siempre mujeres que, el director, decía conocer mejor.
Aldo e Irma, bajo la atenta mirada de su hija Rosina
Alida Valli y Steve Cochran 
Aldo ha perdido el amor de Irma, pero intenta recuperarlo con la fuerza del suyo
Aldo frustado, intenta recuperar el amor de Irma por la fuerza
Aldo abandona el pueblo, llevádose consigo a su hija Rosina

 

La niebla del Norte de Italia, en la región del Po, le confiere un aspecto pobre, sucio y abandonado. 
Betsy Blair es Elvia, una antigua novia de Aldo 
Se cruza en el camino de Aldo, la enérgica y vigorosa Virginia, interpretada por Dorian Gray 

 

Lynn Shaw es Andreina, una joven vital inmersa en una mísera vida 
 La soledad y la incomunicación, sentimientos que se encuentran presentes en toda la película
Aldo regresa derrotado y harapiento
De fondo un conflicto obrero, que intenta luchar contra los cambios sociales y la industrialización 
Un grito de desesperación e impotencia
  

 

Director: Michelangelo Antonioni 
Guión : Michelangelo Antonioni

 

 

 

Fotografía: Gianni Di Venanzo  

 

Música: Giovanni Fusco 

Productora: Coproducción Italia-USA, SpA Cinematográfica/ Robert Alexander Productions
 Reparto: Steve Cochran, Alida Valli, Betsy Blair, Gabriella Pallotta, Dorian Gray, Lynn Shaw, Mirna Girardi  

 

 

“The Salesman” ( El viajante) de 2016 dirigida por Asghar Farhadi

En 2016 el director iraní Asghar Farhadi, ganó su segundo Oscar, por Mejor película de habla no inglesa por The Salesman (El viajante). Farhadi, ya había obtenido el mismo galardón en 2012 por  Nader y Simin, una separación . El director irançí no acudió a la ceremonia de los premios Oscar de 2017, en protesta por la prohibición decretada por Donald Trump, contra el ingreso de personas de siete países de mayoría musulmana.

 La  astronauta Anousheh Ansari y la científica de la NASA Firouz Naderi aceptaron el premio de mejor película extranjera en representación de Farhadi y leyeron su discurso: 

“Lo siento por no estar aquí esta noche. Este premio es para todos los demás países que no han sido tratados con respeto… esto hace que los países se sientan fuera.. los cineastas queremos crear una empatía con nuestra cámara, una empatía que necesitamos más que nunca”

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