Costa Gavras : «El cineasta debe hacer preguntas, pero no dar respuestas «

Costa-Gavras es conocido por tratar temas muy incómodos para la sociedad, siempre desde su independencia, por ello creó su propia productora desde la que ha financiado casi todas sus películas. La ley y la justicia, la opresión, la violencia legal e ilegal y la tortura son temas comunes en su trabajo. 

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Vida Oculta (2019) de Terrence Malick: Dedicada a los que descansan en tumbas no visitadas

Es muy difícil realizar el análisis de una película de Terrence Malick, por sus complejas propuestas filosóficas presentadas en una bellísima y poética envoltura visual. Malick no da entrevistas, pero es comprensible que se haya inclinado a realizar una película como ésta en un momento en el que impera un populismo irracional que exige de sus seguidores un apoyo ciego a un figura de autoridad.  

Vida oculta de Terrence Malick, es la historia de un objetor de conciencia de la Segunda Guerra Mundial, que se negó a jurar lealtad a Hitler por considerarlo el anticristo. Basada en hechos reales, con guión del propio director, supone su vuelta a una narración lineal, a lo concreto. Tras su paréntesis sin rodar durante dos décadas, Malick se ha ido despegando poco a poco de lo que son las certezas o reglas establecidas, para ir cimentando un cine cada vez más filosófico y casi metafísico, cuyas imágenes son constantes inspiraciones pictóricas. 

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Joseph Mankiewicz: «Escribo para espectadores que quieren escuchar un film tanto como verlo»

El cine de Joseph Leo Mankiewicz se caracterizó por sus contenidos, brillantes e inteligentes, llenos de elegancia, buen gusto y refinamiento; envueltos en una puesta en escena , de una precisión y de una exactitud de sabiduría casi diabólica; la dirección de actores, absolutamente teatral , con un gran sentido de la duración de los planos y de eficacia en sus objetivos, componen un perfecto dominio la comedia dramática

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Alexander Payne: «Quiero que todas mis películas me pertenezcan»

El director de cine, guionista y productor estadounidense, Constantine Alexander Payne (1961) nacía un 10 de febrero en Omaha, Nebraska. Su padre es de ascendencia griega y alemana, y su madre también de ascendencia griega, aunque fue su abuelo paterno quien cambió su apellido de Papadopoulos al de Nicholas «Nick» Payne, un nombre más anglosajón con el que tenía más probabilidades de progresar. 

La familia Payne forma parte de la historia de Omaha, donde Alexander se crió y asistió a la escuela secundaria, destacando como escritor y editor del periódico escolar. Payne asistió a la Universidad de Stanford, donde se especializó en español e historia. Como parte de su título de español, estudió en la Universidad de Salamanca (España). 

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King Vidor: Un director de credo y compromiso

El productor, guionista y director de cine King Wallis Vidor ( 1894 – 1982). Nacía en un día como hoy en Galveston, Texas en el seno de una acomodada  familia de madereros de ascendencia húngara. Profundamente impactado por la visión del film “El viaje a las luna” de George Méliès, en su adolescencia empezó a trabajar como proyeccionista durante los veranos, despertando en él una pasión que duraría casi siete décadas.

Comenzó realizando cortometrajes documentales y publicitarios hasta que se instaló en Hollywood, realizando todo tipo de trabajos para los estudios Universal. El joven Vidor escribió hasta 52 guiones antes de le fuera aceptado uno e hizo su debut como director en 1913 con el cortometraje “The Grand Military Parade” y “Hurricane in Galveston”, fenómeno meteorológico al que sobrevivió.

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William A. Wellman,»Wild Bill» : Un director que revolucinó el western, el cine bélico y el de gángsters

El director y productor de cine William A. Wellman (1896 – 1975), nacía un 29 de Febrero en  Massachusetts en el seno de una familia de ascendencia irlandesa. Wellman fue expulsado del colegio por tirara bombas fétidas a su profesor, así que sus padres lo pusieron a trabajar para que aprendiera un oficio. Terminó jugando al hockey sobre hielo profesional, donde fue visto por primera vez por Douglas Fairbanks, quien sugirió a Wellman que con su buena apariencia podría convertirse en actor de cine.

En 1917 antes de que EEUU entrara en la  Primera Guerra Mundial, Wellman se alistó en el Cuerpo de Ambulancias Norton-Harjes como conductor de ambulancia y mientras estaba en París, se unió a la Legión Extranjera Francesa y fue asignado como piloto de combate, siendo el primer primer estadounidense en unirse al escuadrón de vuelo de Lafayette, donde se ganó el apodo de «Wild Bill» .

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Mia Hansen-Løve: Nueva savia para el cine francés

La joven guionista y directora Mia Hansen-Løve (1981), nacía el 5 de Febrero en París. En la Universidad Hansen-Løve estudió alemán y se especializó en Filosofía, al igual que sus padres, ambos profesores de filosofía. Cuando era adolescente, Hansen-Løve se inició en la interpretación y apareció en las películas “Fin août, début septembre” (1998) y Les “Destinées sentimentales” (2000) ambos dirigidos por Olivier Assayas, que se convertiría en su compañero sentimental y padre de su hija. 

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ALMA MATER ( Insyriated, 2017), es la resistencia del ser humano a convertirse en un refugiado

El pasado viernes se estrenó en las salas de cine españolas una pequeña joya cinematográfica “Alma Mater”, una producción belga sobre la guerra en Siria, donde el director y escritor Philippe Van Leeuw pone el foco en las consecuencias de un conflicto bélico sobre una familia corriente atrapada dentro de su casa.

Es el segundo trabajo como director de Philippe Van Leeuw, que ya nos había sorprendido con “ El día en el que Dios se fue de viaje “ (2009), un drama semidocumental sobre el genocidio ruandés en la década de los noventa. En “Alma Mater”, nos presenta un guión concisamente escrito y cuya historia no podría ser más oportuna en vista de los traumas que afligen actualmente al pueblo sirio.

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«Viva la libertad» ( À nous la liberté) de 1931

En el cine francés de la década de los años treinta, la relación entre sonido e imagen encuentra un punto importante para la experimentación, siendo de gran influencia en el movimiento del realismo poético

“À nous la liberté´” de 1931 es el tercer film sonoro del director René Clair y quizás sea uno de los largometrajes más elegantes de los principios de la producción sonora. Este clásico de Clair supone una mezcla, aparentemente sin esfuerzo, de melancolía romántica, amarga crítica social y sutil surrealismo. sus muchas cualidades estéticas tienden a eclipsar las asombrosas innovaciones tecnológicas de la película utilizando para ello  la poética del sonido.

À nous la Liberté de René Clair, uno de los grandes clásicos de comedia de todos los tiempos, es una sátira hábil de la revolución industrial y la búsqueda ciega de la riqueza. Integrando hábilmente su técnica de comedia musical de firma con crítica social acentuada, Clair nos cuenta la historia de dos amigos, Émile y Louis,  que se encuentran en prisión e intentan escapar juntos. Sin embargo, durante la fuga surgen problemas y Louis consigue escapar gracias a que Émile se sacrifica, siendo capturado de nuevo. Una vez en libertad Louis comienza a trabajar como vendedor de fonógrafos y pronto se encuentra siendo propietario de una gran empresa: un convicto escapado que se convierte en un rico industrial.

Clair nos muestra una cadena de montaje altamente mecanizada y que convierte a los trabajadores en meros mecanismos de relojería al servicio de dicha cadena de producción. Los obreros son tratados como autómatas, del mismo modo que a los presos de la prisión que tan bien conoció Louis en su tiempos de convicto, pero solo parece importarle el que sus fábricas crezcan, al igual que la riqueza que acumula.

Cuando Louis trata de introducirse  por  los círculos de la clase privilegiada y opulenta y ser aceptado en los mismos, se encuentra ridiculizado a sus espaldas por su falta de cultura y sofisticación. René Clair aprovecha estas escenas para burlarse de los tics de las clases poderosas, faltas de escrúpulos y muy poco empáticas con la clase trabajadora, así como del comportamiento de los nuevos ricos.

Por desgracia, el pasado de Louis vuelve al presente para alterar sus planes cuidadosamente establecidos, produciéndose un reencuentro con su amigo Emile y con el mundo mafioso del que parecía estar completamente desvinculado. Con un ingenio alegre, una tremenda innovación visual y una manipulación magistral del sonido, À nous la Liberté es a la vez una potente acusación de la sociedad moderna mecanizada y un bullicioso placer cómico.

Una parte muy importante de la película es la música, que corrió  a cargo de George Auric. Éste había colaborado años atrás como actor con René Clair  en  “Entreacto” en 1924 y  consolidó su larga carrera como compositor en “ La sangre de un poeta” de 1932 dirigida por Jean Cocteau

Para comprender la película que Charles Chaplin presentó en 1936, “Tiempos Modernos” es necesario visualizar “À nous la Liberté”, ya que se inspiró en la misma e incluso copió muchas de sus ideas. La Société des Films Sonores Tobis, que había producido “Viva la libertad” en 1931, y que por aquel entonces estaba bajo el control del ministro de Propaganda del Tercer Reich Joseph Goebbels, decidió demandar a Chaplin por imitación y plagio. Clair se opuso a esta decisión,ya que admiraba profundamente a Chaplin y consideraba que “Tiempos Modernos” era un claro homenaje a su película. Sin embargo, la productora Tobis  continuó  acosando a Chaplin durante casi una década.

 

Ver TRAILER DE À NOUS LA LIBERTÉ

FICHA TÉCNICA

Director: René Clair
Guión : René Clair
Fotografía: Georges Périnal (B&W)
Música: George Auric
Productora: Société des Films Sonores Tobis
Reparto:  Raymond Cordy, Henri Marchand, Paul Ollivier, André Michaud, Rolla France, Germaine Aussey, Léon Lorin , William Burke

Isla de perros ( Isle of Dogs, 2018) , “El mundo es una gran caja de juguetes” Wes Anderson

Wes Anderson es un director que ya nos demostró en su anterior película, “The Grand Budapest Hotel” ( 2014), que podía convertir a todo su reparto humano en marionetas cómicas ubicadas en un universo de trenes magníficamente construidos y majestuosos hoteles decimonónicos.

Este director tejano se caracteriza por una puesta en escena con una gama de colores muy personal y característica, unos personajes entrañables y conflictivos, totalmente distintos, que siempre van viajando a través del relato en algún tipo de vehículo. Contínuamente dice de sí mismo:

«Quiero tratar de no repetirme. Pero al parecer lo hago constantemente en mis películas. No es algo que me esfuerce por hacer. Yo sólo quiero hacer películas que sean personales, pero interesantes para una audiencia. Siento que recibo críticas por colocar el estilo encima de la sustancia, y por los detalles que se atraviesan en el camino de los personajes. Pero cada decisión que tomo es la manera de sacar adelante a esos personajes».

Ahora lo demuestra de nuevo, incluso de un modo aún más extravagante, con “Isle of Dogs”, una animación que, al igual que su predecesora, abrió el pasado festival de cine de Berlín en un estilo deslumbrante. Así como en “The Grand Budapest Hotel” el discurso político nos habla del presente a través de una Europa asolada por el totalitarismo y la guerra a la hace referencia Stefan Zweig en su obra “El mundo de ayer” que nos acerca a la tristeza creciente en el alma de éste intelectual, viajero, políglota y escritor austriaco. que formaba parte del Imperio Austrohúngaro y vivió la desintegración de su mundo después de la Primera Guerra Mundial.

En Isla de perros, el director nos sitúa en una distopía en un Japón del futuro. En ella, Kobayashi con la voz de Kunichi Nomura, uno de los coguionistas de la película, es el corrupto alcalde de la ciudad ficticia de Megasaki, ha tomado medidas draconianas para frenar la propagación de diversas enfermedades caninas, incluida la  temible «Fiebre del hocico». Él firmará un decreto mediante el cual todos los perros de Megasaki sean deportados a una isla desolada, esencialmente un enorme basurero en medio del mar.

La vida parece desesperada para los perros exilados hasta que reciben la visita del intrépido pupilo de Kobayashi, Atari (Koyu Rankin) de 12 años que acude en busca de su querido  perro llamado Spots. Una banda de perros liderados por “Chief” un perro callejero, interpretado por Bryan Cranston, ayuda a Atari en su misión, que consiste en explorar las partes más temibles de la isla, una mezcla de páramo industrial y parque de atracciones abandonado, con partes mecanizadas en pleno funcionamiento.

Mientras tanto, un grupo de estudiantes pro perros, incluyendo a la estadounidense Trapp (Greta Gerwig), que se parece a Moppet Girl (un personaje secundario de Disney) se levanta contra Kobayashi, con la ayuda de la científica investigadora Yoko Ono, con voz de la auténtica Yoko Ono.

Visual y temáticamente, “Isle of Dogs” está impregnada de la cultura pop japonesa contemporánea y la iconografía futurista, pero también se inspira en influencias tradicionales, sobre todo en sus ingeniosas alusiones a Hokusai, artista japonés del siglo XIX cuyos temas incluyen paisajes, flora y fauna, la vida cotidiana y lo sobrenatural.y otras obras de arte clásico. La película sugiere una inmersión real en la cultura y el cine japonés, inspirado en  las películas épicas de Akira Kurosawa. Incluso el alcalde Kobayashi es una caricatura del gran actor Toshiro Mifune.

Anderson también juega con el uso  lingüístico de forma sutil e ingeniosa, dejando el diálogo japonés en gran parte sin traducir, mientras  el diálogo de los perros se lleva a cabo en inglés por actores consagrados, incluidos los colaboradores habituales de Anderson, Bill Murray y Tilda Swinton, junto con Jeff Goldblum como “Duke”, o  Scarlett Johansson como “Nutmeg”, una ex showdog más dura de lo que sugiere su sedoso pelaje.

Los ojos expresivos de los títeres pueden en ocasiones llorar, Anderson y sus colaboradores en la elaboración del guión, Roman Coppola y Jason Schwartzman, quería que la película no fuese empalagosa, y para ello han evitado firmemente el culto japonés al “kawaii” o ternura, que en ocasiones puede resultar un poco cargante para el espectador occidental. Por el contrario, el diseño favorece los bordes ásperos: con abundantes costras, orejas rotas y pieles rasgadas.

Anderson también juega con el uso  lingüístico de forma sutil e ingeniosa, dejando el diálogo japonés en gran parte sin traducir, mientras  el diálogo de los perros se lleva a cabo en inglés por actores consagrados, incluidos los colaboradores habituales de Anderson, Bill Murray y Tilda Swinton, junto con Jeff Goldblum como “Duke”, o  Scarlett Johansson como “Nutmeg”, una ex showdog más dura de lo que sugiere su sedoso pelaje.

Los ojos expresivos de los títeres pueden en ocasiones llorar, Anderson y sus colaboradores en la elaboración del guión, Roman Coppola y Jason Schwartzman, quería que la película no fuese empalagosa, y para ello han evitado firmemente el culto japonés al “kawaii” o ternura, que en ocasiones puede resultar un poco cargante para el espectador occidental. Por el contrario, el diseño favorece los bordes ásperos: con abundantes costras, orejas rotas y pieles rasgadas. Como curiosidad señalar que, en todas las tomas desde la perspectiva del perro, no muestran ni el color rojo ni el verde ya que los perros son parcialmente daltónicos y no pueden dichos estos colores.

Filmada en los Studios de Londres y la Babelsberg de Berlín, la película ha utilizado la técnica de stop-motion. Los protagonistas son muñecos de silicona, con pelo de alpaca y alma de metal. Fue necesario un equipo de 27 animadores para realizar el enorme trabajo que requiere cada plano, ya que el movimiento se genera fotografiando objetos inertes entre 12 y 24 veces por segundo. Conseguir unos segundos de película pueden suponer todo el día de trabajo de un animador, por ello se han invertido casi cuatro años en este proyecto.

En total, se han fabricado más de mil muñecos y construido 240 decorados y antes de comenzar el rodaje, la película se dibujó plano a plano sobre el papel como si fuera un cómic, reproduciéndose en formato vídeo para que todo el equipo de animadores tuviese la misma visión de conjunto.

Es una sucesión vertiginosa de gags visuales brillantemente ejecutados, incluyendo peleas de dientes y garras envueltas en gruesas nubes de algodon, idea aportada por el propio director, para evitar tener que fotografiar los cuerpos de  los muñecos durante la pelea. Anderson ya había probado la técnica de animación de stop motion con la adaptación de Roald Dahl, “Fantastic Mr Fox” de 2009 , pero este nuevo proyecto es considerablemente más sofisticado y ambicioso.

El diseño de producción es espléndido: con ondulantes mares brillantes, una línea de sombras alargadas que avanzan a lo largo de una pared de basura o una guarida multicolor hecha de botellas de sake recicladas.

Narrativamente, el mensaje político de Anderson es patente en la burda manipulación informativa del equipo de gobierno, la censura en la libertad de expresión, la corrupción electoral, en la persecución de las minorías, obtención de privilegios de las clases dirigentes y el uso del desarrollo tecnológico en beneficio propio, con el fin de perpetuar su poder. También, el director, envía un mensaje claramente ecológico, mostrando la degeneración de la Isla convertida en un vertedero de basura tóxica, que no se degradará ni en mil años.

Toda esta desoladora crítica social, se combina con su característico humor absurdo y surrealista, su inconfundible sarcasmo y la caricatura casi grotesca de una sociedad pasiva e insensible. Sin duda una influencia de su admirado director sueco Roy Andersson, pero también pone el foco en valores como la amistad, la lealtad, la solidaridad y la entereza.

La partitura minimalista de Alexandre Desplat, autor también de “El Gran Hotel de Budapest” es muy adecuada y de gran deleite, ya que mezcla tambores taiko, un lacónico bajo de jazz y un toque ocasional de Prokofiev. Durante el trailer se puede escuchar la canción «Midnight Sleigh Ride» original de una banda de los años cincuenta llamada  Sauter-Finegan.

Una curiosidad de esta cinta es que, el entorno angloparlante se ha dado cuenta que el título en inglés, ‘Isle of Dogs’, se pronuncia parecido a ‘I love Dogs’ . Sin duda una película muy satisfactoria , que merece la pena disfrutar en la gran pantalla.

 
Director: Wes Anderson
Guión Wes Anderson (Historia: Wes Anderson, Roman Coppola, Kunichi Nomura, Jason Schwartzman
FotografíaAnimation, Tristan Oliver
Música: Alexandre Desplat
Productora: Coproducción Estados Unidos-Alemania; American Empirical Pictures / Indian Paintbrush / Scott Rudin Productions / Studio Babelsberg

Publicado en :  Moon Magazine