Suspiria (2018) de Luca Guadagnino

Siempre he reconocido que el género de terror no era uno de mis favoritos y por ello, he visto muy pocas películas pertenecientes al mismo. Pero no podía perderme uno de los estrenos del año “Suspiria” (2018) dirigida por Luca Guadagnino, ante una audiencia dividida entre las alabanzas y el tibio entusiasmo. Basada en el guión del clásico giallo de Dario Argento, la nueva versión de Guadagnino es menos un remake y más una nueva visión del original.

Esta «Suspiria» ofrece una interpretación más rica y explícita de la violencia de los males del que ha padecido el siglo XX, una horrible pesadilla. Organizada en «Seis actos y un epílogo, la película está ambientada en el Berlín dividido de 1977, el mismo año del lanzamiento de la película original.

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“Torment” (akk.a.Frenzy) (Hets) de 1944 dirigida por Alf Sjörberg e Ingmar Bergman

“Torment” (akk.a.Frenzy) (Hets) de 1944
«Odiaba la escuela como un principio, como un sistema y como una institución. Y como tal, definitivamente no he querido criticar a mi propia escuela, sino a todas las escuelas» Bergman

Mi primer pensamiento cinematográfico de 2018 es para el polifacético director sueco Ingmar Bergman. Nacido en Uppsala (Suecia) en 1918, este año se celebra el centenario de su nacimiento y serán muchos los homenajes dedicados a su influyente figura en el cine de la segunda mitad del sXX.

Bergman dirigió más de sesenta películas y docimentales para el cine y la televisión, la mayoría de los cuales también escribió. Si ha existido un direcotr de atmósferas, de rostros y silencios, ha sido Bergman. Por ello, es importante recordar a sus direcotres de fotografía que fueron decisivos en la creaciónj de las atmósferas tan características de su cine. Con Gummar Fisher, su primer colaborador en la fotografía ySven Nykvist, responsable de la parte final de su filmografía, formaron un sublime triunvirato de la imagen

 

Gunnar Fischer, su primer colaborador en la fotografía,

 

Sven Nykvist, responsable de la parte final de su filmografía

Entre los actores habituales se encontraban: Harriet y Bibi Andersson, Liv Ullmann, Gunnar Björnstrand, Erland Josephson, Ingrid Thulin y Max von Sydow. Hijo de Erik Bergman, un ministro luterano y más tarde capellán del Rey de Suecia y de Karin (née Åkerblom), una enfermera que tenía antepasados ​​valones. Creció con su hermano mayor Dag y su hermana Margareta rodeados de imágenes religiosas y una férrea educación. Su padre era un ministro conservador de la parroquia con ideas estrictas sobre las enseñanzas a los hijos. Ingmar pasó muy duros momentos encerrado en oscuros habitáculos por cometer «infracciones», como mojar la cama.

En su autobiografía la Linterna Mágica, escribió: «Dediqué mi interés al misterioso mundo de las iglesias de arcos bajos, paredes gruesas, el olor de la eternidad, la luz del sol temblorosa sobre la vegetación más extraña de pinturas medievales y figuras talladas en techos y paredes. Haía todo loque la imaginación de un niño podía desear: ángeles, santos, dragones, profetas, demonios, humanos…» Su amor por el teatro comenzó temprano y él mismo recuerda:

«A la edad de nueve años, cambié un grupo d esoldados de estaño por una linterna mágica, una posesión que alteró el curso de mi vida. Con este juguete, creé un mundo privado en el que me sentía completamente en mi verdadera casa»

Bergman asistió a la escuela de Palmgren cuando era adolescente. Sus años escolares fueron muy infelices, y los recordó desfavorablemente en trabajos posteriores. en 1934, a la edad e 16 años, fue enviado a Alemania para pasar las vacaciones de verano con unos amigos de la familia. Asistió a una concentración nazi en Weimar, en la que vió a Adolf Hitler. Más tarde escribió en su autibiografía sobre dicha visita, cómo la familia alemana había puesto un retrato de Hitler en la pared junto a su cama, u que, al igual que gran parte de la sociedad sueca de aquel momento, durante muchos años el joven Bergman estuvo del lado de Hitler, deleitado por sus éxitos y entristecido por sus derrotas. Bergman comentó que: «Hitler fue incleíblemente carismático, electrificó a una multitud …El nazismo que yo había visto parecía divertido y juvenil»

De nuevo en su autobiografía, publicada a finales de los ochenta, Bergman relata: «mi padre era un hombre de ideas ultraderechistas. La amenaza eran los bolqueviques, que eran objeto de nuestro odio. Nuestra familia tenía una casa de verano, y había un vecino judío que tenía una modesta vivienda en la playa. Una noche», cuenta Bergman, «mi hermano y algunos de sus amigos pintaron una cruz gamada en las paredes, y yo, cobarde de mierda, no me animé a decir ni una palabra sobre esto». Cuando, terminada la guerra, se fueron conociendo las atrocidades cometidas por los nazis, Bergman confiesa que las quería creer y que pensaba que era propaganda instrumentada por los alieados: «Cuando la verdad lo confirmó yo no quería creerlo, fue un trauma brutal que me despojó de un golpe de mi inocencia»


El joven Ingmar Bergman 

 

Ingresó en el Stockholm University College en 1937, para estudiar arte y literatura. Pasó la mayor parte de su tiempo involucrado en el teatro estudiantil y se convirtió en un «verdadero adicto al cine». Aunque no se graduó, escribió varias obras de teatro y una ópera, y se convirtió en director asistente en el Ópera Real de Estocolmo . En 1942, se le dio la oportunidad de dirigir uno de sus propios guiones, “Caspar’s Death”. La obra fue vista por miembros de Svensk Filmindustri, que luego le ofrecieron a Bergman un puesto de trabajo reescribiendo guiones. Su primer gran logro fue en 1944 cuando escribió el guión para «Torment» (akk.a.Frenzy) (Hets), una película dirigida por Alf Sjöberg y que desató un debate sobre la educación formal sueca.

Además de escribir el guión, tambié fue nombrado asistente de dirección de la película. En efecto, en 1944 un joven director de la Ópera Real de Estocilmo, lograba que su guión fuese producido por Victor Sjölström y Harald Molander ( Hijo del director Gustav ) y que fuese dirigido por Alf Sjöber, junto con Gustav Molander, uno de los más grandes directores suecos de origen finlandés. Por un problema de enfermedad del director, Bergman filmó las escenas de los exteriores, de lo que seria el inicio de una extensa obra que se iniciaría oficialmente un año después con la realización de «Crisis», cuando ya contaba con una cierta fama como director teatral y comenzaba a ser una figura del mundo cultural sueco.

En su segundo libro autobiográfico «Imágenes: mi vida en el cine» , Bergman describe el rodaje de los exteriores de «Torment» ( akk.a. FEnzy) (Hets) de 1944, como su debut como direcotr de cine. Cuando Henning HaKanson ( director de la escuela secundaria donde estudió Bergman) escribió una carta después del lanzamiento de la pelícual donde afirmaba que el joven Bergman fue un «estudiante problemático», Ingmar le respondió con desdén lo que consideraba la implicación de Hakanson al considerar que aquellos estudiantes : «que no encajaban con una prescripción arbitraria de mérito, merecen el cruel abandono del sistema». Bergman también afirmó en la carta que «odiaba la escuela como un principio, como un sistema y como una institución. Y como tal, definitivamente no he querido criticar a mi propia escual, sini a todas las escuelas».

En la película «Tormento» Bergman nos narra la historia del joven Jan-Erik Widgren como estudiante de último año de secundaria. Su maestro de latín, apodado Calígula, es temido por todos tanto maestros como estudiantes. Widgren se enamora de Bertha, que trabaja en una estanco. Ella le confiesa que está siendo acosada por un hombre mezquino y sádico, pero no le dice que es el propio Calígula. El sadismo del profesor, el odio hacia los alumnos, la crueldad inexplicable y el temos que despiesta, junto a la calida técnica y una amenazadora fotografía en blanco y negro de Martin Bodin, nos indica el camino que seguirá el cine de Bergman en la primera etapa de juventud.

En este film ya se encuentran conceptos como pecado, confesión, perdón y redención, sobre todo, en la figura del padre-profesor, al igual que el padre-pastor en el hogar rígido y espartanamente luterano en el que creció Bergman, en un entorno de gran violencia física y psicilógica ante el «silencio de Dios».

Alf Kjellin como el estudiante Jan-Erik Widgren 
 

 

Alf Kjellin como el estudiante Jan-Erik Widgren y Mai Zetterling como Bertha Olsson 
Alf Kjellin como el estudiante Jan-Erik Widgren y Mai Zetterling como Bertha Olsson 

 

Mai Zetterling como Bertha Olsson 
Alf Kjellin como el estudiante Jan-Erik Widgren y Stig Järrel como el profesor Calígula 
Alf Kjellin como el estudiante Jan-Erik Widgren y Stig Järrel como el cruel profesor Calígula 
Magnífica fotografía en Blanco y Negro de Martin Bodin 

 FICHA TÉCNICA: 

Director: Alf Sjörberg e Ingmar Bergman

Guión :Ingmar Bergman 

Fotografía: Martin Bodin (B&W)

Música: Hilding Rosenberg

Productora: Svensk Filmindustri

Reparto:  Stig Järrel, Alf Kjellin, Mai Zetterling, Olof Winnerstrand, Gösta Cederlund,  Hugo Björne, Stig Olin, Olav Riégo, Märta Arbin, Jan Molander

«Su mejor historia» ( Their Finest) de 2016 dirigida por Lone Scherfig

 

Siempre me ha gustado el cine que propone la directora danesa Lone Scherfig. Desde que captó mi atención con la película Wilbur se quiere suicidar de 2002, por su perspectiva diferente y original, por su capacidad de crear personajes reales, con sus aciertos y contradicciones, no he dejado de seguir su trayectoria.

Al igual que hiciera en An Education de 2009, Lone consigue en Su mejor historia de 2016 contarnos un relato auténtico de un modo sutil e inteligente. Con una magnífica ambientación del Londres del año cuarenta, cuando estaba siendo bombardeada de forma inmisericorde por la aviación alemana.

La película está basada en una novela de Lissa Evans “Their Finest Hour and a Half”, y nos describe la realidad de Catrin Cole una joven secretaria que se convierte en una pieza esencial para crear una gran película e inspirar a toda una nación y que, casi por accidente, es contratada por el Ministerio de Información del Gobierno Británico (Sección de Cine) para formar parte del equipo de guionistas.

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La cosecha estéril (1962) de Bernardo Bertolucci

La ópera prima de Bernardo Bertolucci La cosecha estéril de 1962, es una película perteneciente al movimiento cinematográfico del neorrealismo italiano tardío. La historia se basa en una investigación policial sobre el asesinato de una prostituta, cuyo cuerpo abandonado en un parque próximo al río Tíber se revela en las primeras escenas del film.

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«Mamma Roma» de 1962 dirigida por Pier Paolo Pasolini

Mamma Roma de 1962, es la segunda película del director Pier Paolo Pasolini que escribió el guión antes del estreno de su aclamada Accattone, donde de nuevo, contó con la inestimable ayuda de Sergio Citti. 

En el papel del rufián Carmine, repite su hermano Franco Citti y cuenta con la gran Anna Magnani en el papel de Mamma Roma. En esta ocasión, Bernardo Bertolucci no actuó como asistente de dirección, ya que se encontraba rodando La cosecha Estéril ( La commare seca ) de 1962, con guión de Pier Paolo Pasolini. Ambos films se presentaron en el Festival de Venecia del mismo año, obteniendo un gran éxito.

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El otro lado de la esperanza (2017) de Aki Kaurismäki: «Las mujeres son el futuro»

«El otro lado de la esperanza» de 2017 dirigida por Aki Kaurismäki,  fue la ganadora del Oso de Plata a Mejor Director del Festival de Berlín. Es un gélido, cáustico y satírico retrato de la sociedad finlandesa de hoy. Todo ello visto por el joven Khaled, de nacionalidad siria y solicitante de asilo como refugiado en Finlandia, que por azar entrecruza su destino con el triste y taciturno Wikhström, cuando en la cincuentena intenta comenzar una nueva vida dirigiendo un restaurante. 

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«Accattone» de 1961 dirigido por Pier Paolo Pasolini

El film Accattone de 1961 supuso el  debut cinematográfico del iconoclasta y polifacético director  Pier Paolo Pasolini, aunque ya había logrado gran notoriedad y fama como escritor y poeta. La película se inspira en I Vitelloni  de 1953 y dirigida por Federico Fellini , director por el que sentía una gran admiración y con el que colaboró en varios guiones, como Las noches de Cabiria  o La Dolce vita

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«Rocco y sus hermanos» de 1960 dirigida por Luchino Visconti

«Para ganar hay que hacer sacrificios» Rocco Parondi 

En cine hasta el amanecer no podía faltar en mi ciclo particular sobre el neorrealismo italiano, la película que para muchos es la primera obra maestra de Luchino Visconti «Rocco y sus hermanos» de 1960. Un melodrama que nos muestra a la familia Parondi que, en su huida de la pobreza y la falta de oportunidades de la vida rural en la soleada Lucania ( actualmente denominada Basilicata, en el sureste de Italia), emigra a la fría e industrial ciudad de Milán. Un nuevo estilo de vida, los cambios en las relaciones familiares y el sacrificio de ciertos valores morales frente a las ventajas económicas de la industrialización, cambiarán la vida de estos cinco hermanos para siempre.

Al igual que en «La terra trema: episodio del mare» (La tierra tiembla: Episodio del mar) de 1948, donde la familia Valastro luchaba contra el injusto orden social establecido y su supervivencia, la familia Parondi se traslada a Milán en busca de nuevas oportunidades, huyendo de una existencia llena de sufrimiento, hambre y desesperanza. La película analiza la evolución de cada uno de los cinco hermanos y su adaptación al nuevo entorno, frío, hostil y desconocido, la relación entre ellos y la progresiva degración del núcleo familiar. 

En Milán se encuentra trabajando Vincenzo Parondi, el mayor de los hermanos, que trabaja como albañil  y ha creado una familia con Ginetta (una adorable y jovencísima Claudia Cardinale de apenas 22 años). Vincenzo es el que mejor se ha adaptado a su nueva vida, lejos del pueblo, del espíritu de clan, de sus lazos con la tierra. Divide su tiempo entre su trabajo, su propia familia y su afición por el boxeo. 

Ciro el cuarto de los hermanos (interpretado por  Max Cartier, que pronto abandonó la actuación para convertirse en escultor) , quiere seguir el ejemplo de su hermano Vincenzo. Consigue terminar sus estudios y comienza a trabajar en la fábrica milanesa de coches Alfa Romeo, icono del desarrollo industrial transformador de la sociedad italiana de la postguerra. Ciro quiere formar su propia familia y no regresar nunca a una tierra que les robó a su padre y les condenó a una infancia llena de penurias.

Mención especial requiere la relación entre los dos hermanos intermedios. Simone (interpretado por Renato Salvatori)  y Rocco ( con un magnífico Alain Delón), quedan ligados por distintas circunstancias al mundo del boxeo, los bajos fondos y las malas compañías. Son las dos caras de la misma moneda, cuanta más bondad y clemencia manifiesta Rocco, mayores son los celos, el odio, el egoismo y la decadencia de Simone. Rocco muestra unos principios inquebrantables sobre la unidad familiar, que le obligan a realizar los sacrificios personales más duros de su vida, a renunciar a su amor, a sus deseos de volver a su tierra natal, a la que se siente muy ligado. A pesar de su odio por el  boxeo, al que se tiene que dedicar para salvar a su familia, es mucho mejor que su hermano Simone. Aquí comienzan los celos de Simone por el bueno de Rocco y entonces llega Nadia a sus vidas. 

Nadia ( guapísima Annie Girardot y magnífica en su papel)  es una prostituta, una mujer abandonada a su suerte en una sociedad machista, que queda deslumbrada por la bondad de Rocco y por el profundo amor que siente por ella. Ella es como una moneda de cambio, un juguete, una forma más de Simone de herir a su hermano y, de este modo , herirse  así mismo. Poco importan los sentimientos de Nadia, es un caso entre hermanos, un «asunto de hombres». Tal vez al igual que en la sociedad italiana de finales de los cincuenta, ella representa a aquellas mujeres vapuleadas por la vida, sin otra salida que la prostitución o el matrimonio por horrible que éste sea y que son un débil eslabón en toda la cadena de transformaciones de una sociedad moralmente injusta, y cuyos cambios no siempre significa que sean para mejor.  

El pequeño Luca, supone para toda la familia Parondi, una esperanza de futuro. Todos los hermanos tratan de enseñarle lo mejor para su vida adulta, pero al final lo que le queda es el ejemplo del comportamiento de cada uno de ellos. Vincenzo y Luca convertidos en obreros, Simone un perdedor egoísta sin futuro y Rocco con sus deseos de volver a su tierra y seguir ligado al campo y sus ideales, convertido en un «ciudadano» que no podrá abandonar su nueva vida. 

«Recuérdalo Luca, esa tierra nuestra, es la tierra de los olivos, el cielo azul y el arcoiris… solo espero volver algún día a ella» dice Rocco 

Sin embargo, Ciro le recuerda a Luca porqué abandonaron la tierra que les vio nacer, y nos resume el tremendo choque cultural entre la vida rural y la ciudadana:

«La gente en nuestra tierra vive como animales, solamente conocen el trabajo y la sumisión, pero a cambio ellos viven sin necesidad de servirse de los demás y sin olvidarse nunca de sus propios deberes. Pero esto lo olvidó Simone y por eso ha tenido el final que ha tenido….. Se ha perdido y nos ha llenado a todos de vergüenza » Ciro Parondi 

«Rocco y sus hermanos» es la sexta película de Visconti, que empezó con un cine neorrealista en blaco y negro y después de dos películas históricas en color sobre el «resurgimento» «Senso» y «Noches Blancas» una adpatación de Dostoievski, de gran puesta en escena, vuelve a un melodrama en grises de una Milán industrial, con barrios muy pobres sin desarrollar y situaciones de gran injusticia social.

Cuando en 1948 se celebraron las primeras elecciones democráticas en la Italia de la postguerra, ganó ampliamente la Democracia Cristiana ( DC) ante el Frente Popular Democrático (  FPD) que era fruto de la unión del Partido Socialista y el Partido Comunista. Muchos políticos de la DC se sintieron molestos por la denuncia social que transmitían las películas del movimiento neorrealista, que mostraban una Italia hambrienta, con barrios extremadamente pobres y una delicuencia en aumento.

En 1949 se promulgó una Ley, presentada por el entonces Secretario del Espectáculo Giullio Andreotti, para apoyar y promover el crecimiento del cine italiano y al mismo tiempo frenar el avance de las películas norteamericanas, pero también servía para frenar y controlar la prolifración de películas neorrealistas. Siguiendo ésta regla y antes de que un film recibiera fondos públicos, el guión tenía que ser aprobado por una comisión estatal, pudiendo negar la licencia de exportación a aquellas películas que eran sospechosas de difamar la imagen de Italia. De éste modo nació una especie de censura previa.  

Ésta es una de las razones por las que el cine neorrealista perdió presencia a lo largo de los años cincuenta, a favor de la llamada «Nueva comedia Italiana», ampliamente favorecida por las autoridades del momento. Sin embargo, a finales de los años cincuenta y principio de los sesenta, se produjeron una serie de películas neorrealistas de gran calidad, firmadas por directores ya consagrados como Visconti, Fellini o Antonioni y otros directores noveles que comenzaban su andadura como Pasolini o Bertolucci que constituyó un resurgimiento de dicho género. «Rocco y sus hermanos» puede encuadrarse dentro de éste afortunado resurgimiento, un cine honesto y conmovedor. 

Otra afortunada circunstancia que hace de ésta película una obra maestra es la banda sonora del genio Nino Rota. Una música nostálgica y dramática que sabe acompañar y realzar los momentos más trágicos de la película.

BANDA SONORA DE «ROCCO Y SUS HERMANOS» NINO ROTA

 

 


The Film Foundation de Martin Scorsese y Gucci han financiado la nueva restauración en 4k de Rocco y sus hermanos. El trabajo de restauración, supervisado por el director de fotografía Giuseppe Rotunno, ha sido efectuado en los Laboratoris de L´ Immagine Ritrovatta de la Cineteca de Bolonia a partir de un negativo original. Se han recuperado así algunos planos cortados tras el estreno y también alguna secuencia eliminada antes del mismo, además de devolverle la iluminación y los tonos originales creados por Luchino Visconti y por el propio Giusseppe Rotunno. 

La llegada de la familia Parondi a la estaión de Milán
La madre viuda y los hermanos se instalan en un mísero dormitorio de una barrio obrero 
Vincenzo es el hermano mayor y está comprometido con la hermosa Ginetta 
Una jovencísima Claudia Cardinale de apenas 22 años 
Rocco y Simone se ven inmersos en el mundo del boxeo y los bajos fondos de Milán 
Rocco sueña con dejar el mundo de la ciudad y volver a la vida de campo, donde era feliz 
Parece que la cámara se haya enamorado de Alain Delon
Luchino Visconti acaricia con la cámara el ratro de Delon. 
El enfrentamiento entre Rocco y su hermano Simone treminará en tragedia
La bella Nadine aparece en las vidas de los Parondi . Magnífica Annie Girardot 
La bondad y los sacrificios de Rocco no servirán para nada
Los sentimientos de Nadia no importan,
Simone traerá la vergüenza a su familia 
La industrialización de las ciudades  frente la vida rural mísera y sin oportunidades 
Rocco convertido en un «ciudadano» admirado por su hermano Luca

 

 

 
Director: Luchino Visconti 

Guión : Suso Cecchi d’Amico, Pasquale Festa Campanile, Massimo Franciosa, Enrico Medioli (Relato: Giovanni Testori)


FotografíaGiuseppe Rotunno (B&W)
Música: Nino Rota 

Productora: Coproducción Italia- Francia 
Reparto: Alain Delon, Renato Salvatori, Annie Girardot, Katina Paxinou, Claudia Cardinale, Spiros Focas,Max Cartier, Rocco Vidolazzi, Roger Hanin, Paolo Stoppa, Suzy Delair, Claudia Mori  

 

«Las Noches de Cabiria» de 1957 dirigida por Federico Fellini

Las Noches de Cabiria de 1957 dirigida por Federico Fellini, está considerada su última película perteneciente al neorrealismo italiano, realizada a modo de denuncia social, sobre las condiciones de vida de una gran parte de la sociedad italiana después de la Segunda Guerra Mundial y que se prolongó durante los años cincuenta. 

 Tal vez, en ninguna otra película, salvo en La Strada , Fellini consiguió captar la realidad de un modo tan poético y desgarrador. Otras características del neorrealismo que convergen en ésta película son: la crónica de la cotidaneidad, la descripción de la realidad casi en formato documental, escenarios naturales con una mínima iluminación, actores no reconocidos que, en muchas ocasiones se interpretan a sí mismos y como elemento central de la historia se recupera el la figura de la mujer y sus dificultades para sobrevivir.

 Maria «Cabiria» Ceccarelli, es una prostituta que ejerce en uno de los barrios más pobres de Roma, cerca de las Termas de Caracalla en las afueras de la ciudad. Giulietta Masina, interpretó a Cabiria, una mujer menuda e indefensa, llena de bondad y demasiado ingenua para el cruel entorno en el que vive. Al igual que con Gersomina, Masina nos conmueve con su personaje y Cabiria demuestra una convicción irreductible, en su intento de conseguir el verdadero amor. Busca desesperadamente a un hombre que la aparte de la calle y a quién pueda entregar todo su afecto. Tal vez por ello, unido a su sencillez y credulidad, será objeto de repetidos abusos que la harán fracasar una y otra vez en su empeño.

 Cabiria representa la bondad y la generosidad de un ser que solo ha recibido deslealtad, desapego y olvido, pero que nunca ha perdido la esperanza de encontrar su oportunidad para ser feliz. Para ello se encomienda a San Antonio, que tampoco será de gran ayuda, pero la fortaleza de Cabiria radica en su capacidad de creer en el ser humano y de su redención , sea cual sea su condición y pecado.

 De nuevo nos encontramos con una fructífera colaboración en el guión, que fue una adaptación de la novela de Maria Molinari, realizada por el propio Federico Fellini, Ennio Flaiano y Tullio Pinelli, con diálogos adicionales de Pier Paolo Pasolini. 

 Una vez más Nino Rota nos acompaña con una banda sonora inolvidable, extrañamente alegre y a ritmo de Mambo.

FICHA TÉCNICA

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«Il grido» ( El Grito) de 1957 dirigida po Michelangelo Antonioni

«Rara vez siento el deseo de releer una escena el día antes del rodaje. A veces llego al lugar donde se va a hacer el trabajo y ni siquiera sé a qué voy a disparar» Michelangelo Antonioni para Cahiers du cinema (1960) 

En cine hasta el amanecer, no podía faltar esta primera gran película de Michelangelo Antonioni, «Il Grido» de 1957. El joven Antonioni, apasionado por la música, el dibujo y las Letras, se inició en el cine como ayudante de dirección de Marcel Carnè y al igual que Luchino Visconti, que trabajó con Jean Renoir, quedó muy influenciado por el cine del realismo poético francés. Ambos directores, ayudaron a cimentar las bases del neorrealismo italiano . Escribió numerosos guiones para distintos directores, entre ellos Federico Fellini y , prácticamente, el de todas sus películas.
En «Il Grido» Antonioni nos muestra la realidad  de la Italia de los años de la post guerra, en blanco y negro, con personas viviendo en extrema pobreza, hambrienta e inmersa en profundos cambios sociales promovidos por un proceso de industrialización imparable. En la película, advertimos de fondo un conflicto obrero, que intenta luchar contra dichos cambios, pero la auténtica historia es el drama personal que sufre Aldo ( Steve Cochran) cuando es abandonado por su amada Irma ( Allida Valli)
Aldo, no comprende cómo ha perdido el amor de Irma y trata de resucitarlo mediante todos los recursos que conoce: con regalos, con la fuerza de su amor o incluso, con violencia. Finalmente, ante la firmeza de Irma, Aldo abandona el pueblo, llevándose a la hija de ambos, la pequeña Rosina ( Misna Girardi).
La atmósfera es lúgubre y brumosa, un paisaje con la niebla del Norte de Italia en la región del Po, que le confiere un aspecto pobre, sucio y abandonado. En éste ambiente Aldo quiere escapar de su desamor y busca retomar una antigua relación con Elvia (Betsy Blair ). Elvia, después de siete años, cuando Aldo la abandonó, no ha conseguido retomar su vida y, espera aprovechar esta segunda oportunidad que le brinda el destino. Sin embargo, se cruza la pequeña y sensual Edera y sucumbir a la tentación, hará que Aldo se marche para siempre.
En su vagabundeo Aldo conocerá a Virginia ( Dorian Gray) una mujer fuerte, que gestiona una gasolinera de carretera y cuida de su padre alcohólico. Entre ellos surgirá una atracción, que se verá enturbiada por las obligaciones en el cuidado del padre anciano y la pequeña Rosina . Sin embargo, cuando consiguen deshacerse de sus respectivas obligaciones, la soledad, la incomunicación y la falta de amor es insostenible.
Aldo sigue su particular huida, y termina conociendo a Andreina ( Lynn Shaw) una joven que trabaja como temporera en los campos del Valle de Verccelli de Arroz Amargo , y el resto del año vende su cuerpo para poder comer. Ella creee que Aldo, luchará junto a ella para salir adelante, pero el vacío existencial en el alma de Aldo, hace que no sea capaz de superar la ruptura con Irma, quedando estancado en una insoportable sensación de abandono.
Incapaz de empezar una nueva relación, sin trabajo, agotado por la angustia, Aldo decide regresar a su pueblo y tratar de volver junto a Irma. Aldo es presa de la fatalidad de su destino y, al igual que los protagonistas del realismo poético francés, sucumbe ante su desesperación y pesimismo.
La música de piano de Giovani Fusco, es un contrapunto perfecto para el ánimo abatido de Aldo, que junto al ambiente brumosos, transmite ese sentimeinto de soledad e incomunicación que rodea a todos los personajes.
Una película conmovedora que conteniene gran parte de los temas que serán recurrentes en el futuro cine de Michelangelo Antonioni. Donde habitan unos personajes individuales llevados a situaciones críticas condicionados por su entorno, casi siempre mujeres que, el director, decía conocer mejor.
Aldo e Irma, bajo la atenta mirada de su hija Rosina
Alida Valli y Steve Cochran 
Aldo ha perdido el amor de Irma, pero intenta recuperarlo con la fuerza del suyo
Aldo frustado, intenta recuperar el amor de Irma por la fuerza
Aldo abandona el pueblo, llevádose consigo a su hija Rosina

 

La niebla del Norte de Italia, en la región del Po, le confiere un aspecto pobre, sucio y abandonado. 
Betsy Blair es Elvia, una antigua novia de Aldo 
Se cruza en el camino de Aldo, la enérgica y vigorosa Virginia, interpretada por Dorian Gray 

 

Lynn Shaw es Andreina, una joven vital inmersa en una mísera vida 
 La soledad y la incomunicación, sentimientos que se encuentran presentes en toda la película
Aldo regresa derrotado y harapiento
De fondo un conflicto obrero, que intenta luchar contra los cambios sociales y la industrialización 
Un grito de desesperación e impotencia
  

 

Director: Michelangelo Antonioni 
Guión : Michelangelo Antonioni

 

 

 

Fotografía: Gianni Di Venanzo  

 

Música: Giovanni Fusco 

Productora: Coproducción Italia-USA, SpA Cinematográfica/ Robert Alexander Productions
 Reparto: Steve Cochran, Alida Valli, Betsy Blair, Gabriella Pallotta, Dorian Gray, Lynn Shaw, Mirna Girardi