Richard Jewell: El desdén de la opinión pública por la verdad

En la película Richard JewellClint Eastwood desarrolla y transforma la historia de la vida real de Richard Jewell, un guardia de seguridad en los Juegos Olímpicos de Verano de 1996, en Atlanta, que alertó a la policía sobre una mochila llena de bombas y, después de ser aclamado como un héroe, fue investigado por el FBI como principal sospechoso de haber colocado la bomba. Esas sospechas fueron reveladas y publicadas por el Atlanta Journal-Constitution, lo que condujo a una persecución mediática de Jewell a nivel nacional.

Personalmente, me resulta muy interesante el cine de Eastwood de los últimos tiempos, en la línea de los héroes anónimos que después la sociedad norteamericana los arrastra sin ningún pudor por el barro o simplemente son enterrados en el olvido. Ya sucedió con El Francotirador, de 2014, donde Clint Eastwood lleva a la pantalla el biopic de Chris Kyle (Bradley Cooper), un SEAL de la Armada estadounidense altamente condecorado que sirvió en cuatro misiones en Irak antes de ser dado de baja honorablemente en 2009.

Seguir leyendo «Richard Jewell: El desdén de la opinión pública por la verdad»

Gracias a Dios ( 2018) de François Ozon: Ningún niño debería sentirse abrumado por la culpa

La Iglesia católica trató judicialmente de evitar que esta película se estrenase en en febrero de 2017. Es un recordatorio doloroso de que la institución de la iglesia católica está abusando conscientemente de su poder y le gustaría que el público en general no lo supiera, no les impulsa la fortaleza de la fe ni el dogma de la divinidad, sino el temor a perder el poder que tienen sobre sus fervientes seguidores y, en cambio, prefieren esconderse detrás de siglos de existencia para mantener la confianza.

Tal y como asegura su director François Ozon (1968) :  

«La gente a menudo pregunta: ‘¿Crees que el cine puede cambiar el mundo?’ y todos siempre respondieron ‘No’. Pero aquí, sabes, me gusta pensar que quizás cambiemos un poco las cosas. Y esto fue una sorpresa. No imaginé que podrían tener el efecto positivo que ha tenido «.

Seguir leyendo «Gracias a Dios ( 2018) de François Ozon: Ningún niño debería sentirse abrumado por la culpa»

«El enigma de Gaspar Hauser» de 1974 dirigido por Werner Herzog

Werner Herzog es el director de cine considerado el fundador del denominado Nuevo cine Alemán junto con otros cineastas como Rainer Werner Fassbinder y poseedor de una carrera singular como director, guionista y productor.

La película El enigma de Gaspar Hauser se basa en los hechos reales sucedidos a principios del siglo XIX. El 26 de Mayo de 1828 apareció en la ciudad de Nuremberg (Baviera/Alemania) un extraño niño de 16 años y de aspecto descuidado. Llevaba consigo una carta dirigida al militar Friedrich von Wessing donde figuraba el nombre de «Gaspar Hauser» y se mencionaba la fecha de nacimiento como el 30 de abril de 1812. 

Sus circunstancias y su leyenda se extendieron por toda Europa. Aseguraba que estuvo encerrado en una pequeña celda oscura la mayor parte de su vida. Su ropa con restos de seda, había sido buena en alguna ocasión. Sus piernas estaban casi paralizadas por la falta de movimiento, sin lenguaje y sin influencias externas, Hauser era una hoja de papel en blanco para que la sociedad escribiera con impunidad.

Los doctores que lo examinaron informaron que el joven ni era loco ni imbécil, pero que la separación por la fuerza y con crueldad del contacto con los seres humanos desde su más tierna infancia le habían influido en su desarrollo.

Su estado mental era tal que despertó el interés de juristas, teólogos y pedagogos que llevaron a cabo multitud de ensayos para enseñarle a hablar, leer y escribir. Su mentor y representante legal Anselm von Feuerbach estaba convencido de que se trataba de un príncipe de la casa real de Baden, que había sido sustituido por un niño moribundo a causa de intrigas dinásticas. 

A las pocas semanas, Hauser hablaba con fluidez y podía leer y escribir, y al cabo de un tiempo pudo realizar una completa declaración acerca de sus primeros años de vida. Se supo por él mismo que siempre estuvo prisionero en un calabozo, desde que tenía tres años, durmiendo sobre un colchón de paja, sin sonidos y con alimento que alguien le llevaba mientras dormía. Tiempo antes de su partida, un hombre se introducía en la celda y le enseñaba a escribir su nombre y las frases que debía decir cuando lo encontraran.

Otro de los grandes misterios que rodean el caso de Gaspar Hauser, es su propia muerte, que aconteció cinco años después de ser encontrado. Los médicos que practicaron la autopsia, concluyeron que era muy difícil que él mismo pudiera haberse provocado las heridas que llevaron a su muerte, que se atribuye a la misma persona que lo mantuvo encerrado.

En las memorias de Anselm von Feuerbach, se confirma que el «hijo adoptivo de Nuremberg» se convirtió en tema de discusión y debate, tanto desde el ángulo filosófico y psicológico como político y moral. En el estudio de Feuerbach se constatan dos delitos perpetrados en la persona de Gaspar: el de detención ilegal y el de abandono. Desde el punto de vista filosófico, Feuerbach destacó el «delito contra el alma» que constituye una figura delictiva con importantes consecuencias psicopatológicas y que definió como:

«el delito contra el alma es separar a un hombre de los otros seres racionales y de la naturaleza, dificultar su acceso a un destino humano y privarle de alimentos espirituales. Es el más criminal de los atentados puesto que va dirigido contra el patrimonio más auténtico del hombre, su libertad y su vocación espiritual».

 En el caso de Gaspar, Feuerbach defiende que fue la privación de la larga huella educativa y la soledad, el motivo de su retraso evolutivo. Convencido de que el hombre no nace sino que se hace, se esforzó en restituir a su pupilo los bienes espirituales sustraídos durante la infancia, para devolverle íntegro y desarrollado a la sociedad.

La película «El enigma de Gaspar Hauser» fue escrita, producida y dirigida por Herzog. Nominada a la Palma de Oro, ganó el Premio de la crítica (FIPRESCI) y el Gran Premio del Jurado, de Cannes. La Academia Alemana le otorgó los premios a mejor dirección y producción de 1974

Herzog construye una obra compleja sobre una criatura inocente que se mueve en un universo desconocido para él, una sociedad que se comporta de un modo cruel y despiadado. La pureza de su pensamiento y la ausencia de convencionalismos aprendidos, lo convierten en un ser ingenuo e íntegro ante el que la comunidad siente el mismo grado de atracción que de rechazo.

» A mi los hombres me parecen locos» dice Hauser 

El tratamiento que la ciudad le otorga a Gaspar Hauser, en los primeros tiempos de su liberación y para contribuir a su mantenimiento económico, es exhibirlo en un espectáculo de feria, donde comparte escenario con otros «prodigios» de la naturaleza, como un enano, un fakir o un nativo indio americano. En cierta medida el enfoque que hace Herzog de la relación de la sociedad con Hauser, nos recuerda a películas como la «Parada de los monstruos » de 1931 dirigida por Tod Browning o al sensible y conmovedor John Merrick de «El hombre elefante» de 1980 dirigida por David Lynch.

El extraordinario avance que experimenta Gaspar en muy poco tiempo de enseñanzas, a manos de su tutor legal el Profesor Daumer, es impresionante. La mente del muchacho es como una página en blanco, libre de condicionantes y no acepta la creencias religiosas, las leyes de la lógica o las imposiciones sociales. Gaspar Hauser debe aceptar axiomas, cuando él tiene muchas preguntas sin resolver. El pastor religioso le dice:

«Debes tener fe, investigar las cosas de la fe que no entendemos, es un mal» 

Es muy acertada la elección del actor Bruno Schleinstein como Gaspar Hauser. Nos ofrece una interpretación extraordinaria y muy creíble, algo que se vio facilitado por sus propias vivencias personales. Nacido en 1932, era hijo de una prostituta y pasó casi veinte años en instituciones mentales Colaboró en el cine únicamente con Herzog en esta película y en la posterior «Stroszek» todavía más próxima a su biografía.

La película cuenta con una música fascinante, basada en temas de Mozart y otros compositores como Pachelbel y Albinoni. Ello unido a los bellísimos paisajes, con un aire bucólico y de gran naturalismo. Quedan destacados por una fotografía que busca efectos visuales muy reales, rechazando las correcciones de los efectos especiales. El realismo del panorama, contrasta deliberadamente con las visiones y los sueños de Gaspar Hauser, que se nos muestran como imágenes ligeramente turbias y veladas. 

Es una película hermosa, melancólica y de marcado carácter romántico, que permite a Werner Herzog realizar una ácida y despiadada crítica de las sociedad alemana y su mentalidad cargada de convencionalismos y suspicacias

FICHA TÉCNICA

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

«Accattone» de 1961 dirigido por Pier Paolo Pasolini

El film Accattone de 1961 supuso el  debut cinematográfico del iconoclasta y polifacético director  Pier Paolo Pasolini, aunque ya había logrado gran notoriedad y fama como escritor y poeta. La película se inspira en I Vitelloni  de 1953 y dirigida por Federico Fellini , director por el que sentía una gran admiración y con el que colaboró en varios guiones, como Las noches de Cabiria  o La Dolce vita

Seguir leyendo ««Accattone» de 1961 dirigido por Pier Paolo Pasolini»

«Las Noches de Cabiria» de 1957 dirigida por Federico Fellini

Las Noches de Cabiria de 1957 dirigida por Federico Fellini, está considerada su última película perteneciente al neorrealismo italiano, realizada a modo de denuncia social, sobre las condiciones de vida de una gran parte de la sociedad italiana después de la Segunda Guerra Mundial y que se prolongó durante los años cincuenta. 

 Tal vez, en ninguna otra película, salvo en La Strada , Fellini consiguió captar la realidad de un modo tan poético y desgarrador. Otras características del neorrealismo que convergen en ésta película son: la crónica de la cotidaneidad, la descripción de la realidad casi en formato documental, escenarios naturales con una mínima iluminación, actores no reconocidos que, en muchas ocasiones se interpretan a sí mismos y como elemento central de la historia se recupera el la figura de la mujer y sus dificultades para sobrevivir.

 Maria «Cabiria» Ceccarelli, es una prostituta que ejerce en uno de los barrios más pobres de Roma, cerca de las Termas de Caracalla en las afueras de la ciudad. Giulietta Masina, interpretó a Cabiria, una mujer menuda e indefensa, llena de bondad y demasiado ingenua para el cruel entorno en el que vive. Al igual que con Gersomina, Masina nos conmueve con su personaje y Cabiria demuestra una convicción irreductible, en su intento de conseguir el verdadero amor. Busca desesperadamente a un hombre que la aparte de la calle y a quién pueda entregar todo su afecto. Tal vez por ello, unido a su sencillez y credulidad, será objeto de repetidos abusos que la harán fracasar una y otra vez en su empeño.

 Cabiria representa la bondad y la generosidad de un ser que solo ha recibido deslealtad, desapego y olvido, pero que nunca ha perdido la esperanza de encontrar su oportunidad para ser feliz. Para ello se encomienda a San Antonio, que tampoco será de gran ayuda, pero la fortaleza de Cabiria radica en su capacidad de creer en el ser humano y de su redención , sea cual sea su condición y pecado.

 De nuevo nos encontramos con una fructífera colaboración en el guión, que fue una adaptación de la novela de Maria Molinari, realizada por el propio Federico Fellini, Ennio Flaiano y Tullio Pinelli, con diálogos adicionales de Pier Paolo Pasolini. 

 Una vez más Nino Rota nos acompaña con una banda sonora inolvidable, extrañamente alegre y a ritmo de Mambo.

FICHA TÉCNICA

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

«Il grido» ( El Grito) de 1957 dirigida po Michelangelo Antonioni

«Rara vez siento el deseo de releer una escena el día antes del rodaje. A veces llego al lugar donde se va a hacer el trabajo y ni siquiera sé a qué voy a disparar» Michelangelo Antonioni para Cahiers du cinema (1960) 

En cine hasta el amanecer, no podía faltar esta primera gran película de Michelangelo Antonioni, «Il Grido» de 1957. El joven Antonioni, apasionado por la música, el dibujo y las Letras, se inició en el cine como ayudante de dirección de Marcel Carnè y al igual que Luchino Visconti, que trabajó con Jean Renoir, quedó muy influenciado por el cine del realismo poético francés. Ambos directores, ayudaron a cimentar las bases del neorrealismo italiano . Escribió numerosos guiones para distintos directores, entre ellos Federico Fellini y , prácticamente, el de todas sus películas.
En «Il Grido» Antonioni nos muestra la realidad  de la Italia de los años de la post guerra, en blanco y negro, con personas viviendo en extrema pobreza, hambrienta e inmersa en profundos cambios sociales promovidos por un proceso de industrialización imparable. En la película, advertimos de fondo un conflicto obrero, que intenta luchar contra dichos cambios, pero la auténtica historia es el drama personal que sufre Aldo ( Steve Cochran) cuando es abandonado por su amada Irma ( Allida Valli)
Aldo, no comprende cómo ha perdido el amor de Irma y trata de resucitarlo mediante todos los recursos que conoce: con regalos, con la fuerza de su amor o incluso, con violencia. Finalmente, ante la firmeza de Irma, Aldo abandona el pueblo, llevándose a la hija de ambos, la pequeña Rosina ( Misna Girardi).
La atmósfera es lúgubre y brumosa, un paisaje con la niebla del Norte de Italia en la región del Po, que le confiere un aspecto pobre, sucio y abandonado. En éste ambiente Aldo quiere escapar de su desamor y busca retomar una antigua relación con Elvia (Betsy Blair ). Elvia, después de siete años, cuando Aldo la abandonó, no ha conseguido retomar su vida y, espera aprovechar esta segunda oportunidad que le brinda el destino. Sin embargo, se cruza la pequeña y sensual Edera y sucumbir a la tentación, hará que Aldo se marche para siempre.
En su vagabundeo Aldo conocerá a Virginia ( Dorian Gray) una mujer fuerte, que gestiona una gasolinera de carretera y cuida de su padre alcohólico. Entre ellos surgirá una atracción, que se verá enturbiada por las obligaciones en el cuidado del padre anciano y la pequeña Rosina . Sin embargo, cuando consiguen deshacerse de sus respectivas obligaciones, la soledad, la incomunicación y la falta de amor es insostenible.
Aldo sigue su particular huida, y termina conociendo a Andreina ( Lynn Shaw) una joven que trabaja como temporera en los campos del Valle de Verccelli de Arroz Amargo , y el resto del año vende su cuerpo para poder comer. Ella creee que Aldo, luchará junto a ella para salir adelante, pero el vacío existencial en el alma de Aldo, hace que no sea capaz de superar la ruptura con Irma, quedando estancado en una insoportable sensación de abandono.
Incapaz de empezar una nueva relación, sin trabajo, agotado por la angustia, Aldo decide regresar a su pueblo y tratar de volver junto a Irma. Aldo es presa de la fatalidad de su destino y, al igual que los protagonistas del realismo poético francés, sucumbe ante su desesperación y pesimismo.
La música de piano de Giovani Fusco, es un contrapunto perfecto para el ánimo abatido de Aldo, que junto al ambiente brumosos, transmite ese sentimeinto de soledad e incomunicación que rodea a todos los personajes.
Una película conmovedora que conteniene gran parte de los temas que serán recurrentes en el futuro cine de Michelangelo Antonioni. Donde habitan unos personajes individuales llevados a situaciones críticas condicionados por su entorno, casi siempre mujeres que, el director, decía conocer mejor.
Aldo e Irma, bajo la atenta mirada de su hija Rosina
Alida Valli y Steve Cochran 
Aldo ha perdido el amor de Irma, pero intenta recuperarlo con la fuerza del suyo
Aldo frustado, intenta recuperar el amor de Irma por la fuerza
Aldo abandona el pueblo, llevádose consigo a su hija Rosina

 

La niebla del Norte de Italia, en la región del Po, le confiere un aspecto pobre, sucio y abandonado. 
Betsy Blair es Elvia, una antigua novia de Aldo 
Se cruza en el camino de Aldo, la enérgica y vigorosa Virginia, interpretada por Dorian Gray 

 

Lynn Shaw es Andreina, una joven vital inmersa en una mísera vida 
 La soledad y la incomunicación, sentimientos que se encuentran presentes en toda la película
Aldo regresa derrotado y harapiento
De fondo un conflicto obrero, que intenta luchar contra los cambios sociales y la industrialización 
Un grito de desesperación e impotencia
  

 

Director: Michelangelo Antonioni 
Guión : Michelangelo Antonioni

 

 

 

Fotografía: Gianni Di Venanzo  

 

Música: Giovanni Fusco 

Productora: Coproducción Italia-USA, SpA Cinematográfica/ Robert Alexander Productions
 Reparto: Steve Cochran, Alida Valli, Betsy Blair, Gabriella Pallotta, Dorian Gray, Lynn Shaw, Mirna Girardi  

 

 

«Lion » de 2016 dirigida por Garth Davis

 

Saroo Brierley (1981) nació en Khandwa, Madhya Pradesh (India), pero con tan solo cinco años se perdió en las calles de Calcuta a 1.600 Km de su casa. Casi un año más tarde, fue entregado en adopción a un familia que reside en Hobart, Tasmania (Australia).

El film está basado en la novela autobiográfica del propio Saroo Brierley, «Un largo camino a casa» (Península). La familia biológica de Saroo era muy pobre, agravada por el abandono del padre por otra mujer y su madre, Kamla, trabajaba muy duramente en una cantera, acarreando piedras para sacar adelante a sus cuatro hijos. Con muchas dificultades para poder comer cada día, Guddu el mayor de sus hijos con solo diez años, intentaba ayudar a su madre, barriendo vagones de trenes, robando carbón o trabajando de bracero.

Acompañando a Guddu para buscar trabajo, Saroon se quedó dormido en una estación y al despertar, buscó a su hermano en el interior de un tren. Una vez en marcha, el pequeño quedó atrapado en el mismo, durante cerca de catorce horas y llegó hasta Calcuta, donde pudo bajarse. Saroo, no sabía el nombre de su pueblo, ni sabía leer, ni tampoco conocía el idioma bengalí, ya que procedía de un zona donde se hablaba el hindi.

Durante casi un año, sobrevivió en las Calles de Calcuta, hasta que terminó en un orfanato y fue adoptado por Sue y John Brierley. Casi veinte años después, cuando el joven Saroon, se trasladó a Canberra a estudiar, se encontró con muchos estudiantes de origen indio. A partir de aquel momento, se estableció una lucha en su interior para encontrar sus orígenes, a su familia biológica y su identidad.

Para ello reunió todos sus escasos recuerdos y realizó búsquedas sistemáticas en Google Earth. Tras cinco años navegando por Internet y reconstruyendo el camino recorrido por el tren, Saroo encontró Ganesh Talai, la zona donde vivía de niño. En el año 2013 Google Maps hizo su campaña de comunicación con la historia real de Saroo Brierley, como ejemplo de la utilidad y las personas como valor de referencia de la marca. 

El film tiene una primera parte sobrecogedora. La extrema pobreza que muestra de la India, el caos, la miseria, la mareante sobrepoblación, la indiferencia de sus gentes, las nubes de niños perdidos y abandonados. Las imágenes del orfanato, son demoledoras y deprimentes. Con muy pocas palabras, el director transmite todas esas sensaciones, ayudado por la interpretación de Sunny Pawar, un niño que desde el primer fotograma te roba el corazón.

De la segunda parte, que transcurre en Australia con la familia adoptiva de Saroo, hay que destacar la interpretación de Nicole Kidman como Sue Brierley, a Dev Patel como Saroo adulto y Rooney Mara, su novia.Tal vez, hubiese preferido que en lugar de prevalecer el melodrama personal, y transitar por terrenos más convencionales, el director hubiese realizado un análisis más profundo sobre la lacra de la pobreza,la injusticia en el reparto de la riqueza y la falta de oportunidades de millones de niños.

Ésta es una historia de final feliz, pero existen más de 80.000 niños en la India que desaparecen cada año y que jamás tendrán la más mínima posibilidad de salir adelante. Una vez más, cine social para reflexionar sobre las grandes desigualdades de nuestro mundo.


Maravillosa la mirada y la sonrisa de Sunny Pawar
Aunque con una vida porbre, Saroo vive rodeado de su familia antes de perderse
Saroo con su hermano Guddu
La luz cambia para mostrarnos la tenebrosa Calcuta, llena de peligros para el pequeño Saroo

 

Estupenda Nicole Kidman, como Sue Brierley
Dev Patel y Rooney Mara, una pareja con química
La angustia de la búsqueda de la propia identidad
Por una vez, la vida real nos ofrece un final feliz

TRAILER DE LION 



CAMPAÑA DE GOOGLE EARTH 
Saroo Brierley: Homeward Bound

FICHA TÉCNICA:

Dirección: Garth Davis
Guión: Luke Davies ( Novela: Saroon Brierley)

Música: Volker Bertelmann, Dustin O´Halloran
Fotografía: Greig Fraser

Productora: Coproduccion Australia-GB-USA; See-Saw Films / Screen Australia / Sunstar Entertainment / Weinstein Company
Reparto: Dev Patel, Sunny Pawar, Nicole Kidman, Rooney Mara, David Wenham, Nawazuddin Siddiqui, Tannishtha Chatterjee, Deepti Naval

 

«Loving» de 2016 dirigido por Jeff Nichols

En Cine hasta el amanecer, recomendamos un magnífico estreno en España de éste año 2017 es la película «Loving» dirigida por Jeff Nichols. Un joven director que me fascina por su original perspectiva y sabia mezcla de los hechos más cotidianos, con de los fenómenos absolutamente fantásticos.
Ya he mencionado mi admiración por «Take Shelter » de 2011, sobre la esquizofrenia en un pueblo del Ohio profundo. También es sensacional la recreación del ambiente de una isla del Mississippi y las amargas aventuras de dos niños a lo Tom Sawyer en «MUD» de 2012 . Me gustó «Midnight Special » de 2016 un thriller sobrenatural, rodado como una road movie y lleno de suspense.

Seguir leyendo ««Loving» de 2016 dirigido por Jeff Nichols»