Akira Kurosawa: El cine de un estilista visual y un humanista reflexivo

El director y guionista de cine japonés Akira Kurosawa (1910-1998) que dirigió más de 30 películas en una carrera cinematográfica de 57 años, está considerado uno de los cineastas más importantes e influyentes de la historia del cine.

El realizador japonés es, sin duda, el más internacional de sus compatriotas y el responsable de dar a conocer al mundo occidental la riquísima tradición cinematográfica japonesa de décadas. Su cine fue admirado por grandes directores europeos como Ingmar Bergman, Federico Fellini, Roman Polanski o Werner Herzog. Desde Asia, Satyajit Ray lo consideró un maestro de la realización y desde el Nuevo Hollywood despertó admiración en Stanley Kubrick, George Lucas, Martin Scorsese, Francis Ford Coppola y Steven Spielberg


Akira Kurosawa nació el 23 de marzo de 1910, en el distrito Ōmori de Tokio. Su padre Isamu, un miembro de una antigua familia samurai de la prefectura de Akita, trabajó como director de la escuela secundaria del Instituto de Educación Física del Ejército, mientras que su madre Shima provenía de una familia de mercaderes que vivía en Osaka. 

Akira fue el octavo y más joven hijo de una familia moderadamente adinerada y su padre además de promover el ejercicio físico, estaba abierto a las tradiciones occidentales, consideraba que el teatro y las películas tenían que formar parte de su educación.  Una influencia formativa importante fue su maestro de escuela primaria, el Sr. Tachikawa, cuyas prácticas educativas progresistas despertaron en su joven alumno, primero un amor por el dibujo y después un interés en la educación en general. 

A finales de la década de 1920, Heigo (su hermano mayor) se convirtió en un benshi (narrador de películas mudas) para teatros de Tokio que muestran películas extranjeras, y rápidamente se hizo un nombre. Akira, que en este momento planeaba convertirse en pintor, se mudó con él, y los dos hermanos se volvieron inseparables.  Con la ayuda de Heigo, Akira devoró no solo películas sino también representaciones de teatro y circo, mientras exhibía sus pinturas y trabajaba para la Liga de Artistas Proletarios de izquierda. Sin embargo, nunca pudo ganarse la vida con su arte y cuando comenzó a percibir que la mayoría del movimiento proletario se convetían en ideales políticos incumplidos, perdió su entusiasmo por la pintura. 

Con la creciente producción de películas sonoras a principios de la década de 1930, los narradores de películas como Heigo comenzaron a perder el trabajo y Akira regresó con sus padres. En julio de 1933, Heigo se suicidó y Kurosawa quedó profundamente marcado por la profunda sensación de pérdida que sintió con la muerte de su hermano. 

La forja de Kurosawa como director 

En 1935, el nuevo estudio de cine Photo Chemical Laboratories, conocido como PCL , que más tarde se convertiría en el principal estudio, Toho , publicó un anuncio para contratar asistentes de dirección. Aunque no había demostrado interés previo en el cine como profesión, Kurosawa presentó el ensayo que se solicitaba en dicha convocatoria, donde se pedía a los candidatos que analizaran las deficiencias fundamentales de las películas japonesas y que expusieran las formas de superarlas. Su opinión medio burlona fue, que si las deficiencias eran fundamentales, no había forma de corregirlas. El director Kajirō Yamamoto, que estaba entre los examinadores, le gustó este joven Kurosawa de 25 años e insistió en que el estudio lo contratara.

Durante sus cinco años como asistente de dirección, Kurosawa trabajó con numerosos directores, pero la figura más importante en su desarrollo fue Yamamoto, que se convirtió en su mentor. Yamamoto nutrió el talento de Kurosawa, y el joven Akira trabajó en tareas que van desde la construcción de escenarios y el desarrollo de películas hasta la búsqueda de locaciones, el pulido de guiones, los ensayos, la iluminación, el doblaje, la edición y la dirección de la segunda unidad. 

En la última de las películas de Kurosawa como asistente de dirección para Yamamoto, Caballo ( Uma , 1941) , Kurosawa se hizo cargo de la mayor parte de la producción, ya que su mentor estaba ocupado con el rodaje de otra película. Un consejo importante que Yamamoto le dio a Kurosawa fue que un buen director necesitaba dominar la escritura de guiones. Así que comenzó a escribir y pronto se dio cuenta de que las ganancias económicas de sus guiones eran mucho más altas de lo que le pagaban como asistente de dirección.

Esta actividad de escritura de guiones para terceros, le valió a Kurosawa como una actividad secundaria lucrativa que duraría hasta la década de 1960, mucho después de que se hiciera mundialmente famoso.

Kurosawa buscó una historia que pudiera usar para lanzar su carrera como director. Hacia fines de 1942, aproximadamente un año después del ataque japonés a Pearl Harbor, el novelista Tsuneo Tomita publicó su novela de judo inspirada en Musashi Miyamoto, La leyenda del gran judo (Sanshiro Sugata, 1943). Compró el libro el día de su publicación, lo devoró de una vez e inmediatamente le pidió a Toho que asegurara los derechos de la película. El instinto inicial de Kurosawa demostró ser correcto ya que, en pocos días, otros tres estudios japoneses importantes también se ofrecieron a comprar los derechos. Toho prevaleció y Kurosawa comenzó la preproducción en su trabajo debut como director.

En plena Segunda Guerra Mundial, la oficina de censura japonesa consideró que el trabajo era objetivamente «británico-estadounidense» según los estándares de Japón en tiempos de guerra, y fue solo a través de la intervención del director Yasujirō Ozu , que defendió la película, que la ópera prima de fue finalmente aceptado para su lanzamiento el 25 de marzo de 1943. 

Kurosawa decidió escribir el guión de una película que sería a la vez censurable y menos costosa de producir, Los hombres que caminan sobre la cola de un tigre  basada en la obra de Kabuki Kanjinchō y protagonizada por el comediante Enoken, con quien Kurosawa había trabajado a menudo durante sus días de asistente de director, se completó en septiembre de 1945. En este momento, Japón se había rendido y la ocupación de Japón había comenzado. Los nuevos censores estadounidenses interpretaron los valores supuestamente promovidos en la imagen como excesivamente «feudales» y prohibieron el trabajo.

El tándem Kurosawa y Toshiro Mifune

Después de la guerra, Kurosawa, influenciado por los ideales democráticos de la Ocupación, buscó hacer películas que establecieran un nuevo respeto hacia el individuo y el yo. Gran admirador de directores como Frank Capra, D. W. Griffith o F. W. Murnau y amante de la literatura de Fyodor Dostoyevsky, William Shakespeare o Maxim Gorky se considera que su primer gran éxito fue El ángel borracho (1948) 

Aunque el guión, como en todas las obras de la era de la ocupación de Kurosawa, tuvo que pasar por reescrituras forzadas debido a la censura estadounidense, Kurosawa sintió que esta era la primera película en la que podía expresarse libremente. Una historia tremendamente realista de un médico que intenta salvar a un yakuza con tuberculosis y fue la primera película del director con Toshiro Mifune, quien interpretaría al personaje protagonista en todas sus siguientes 16 películas (menos en Vivir 1952 )

Mifune se encontró por primera vez con el director Akira Kurosawa cuando Toho Studios, la mayor productora de cine de Japón, estaba realizando una búsqueda de talentos, durante la cual cientos de aspirantes a actores realizaron una audición ante un equipo de jueces. Kurosawa originalmente no iba a asistir al evento, pero se presentó cuando Hideko Takamine le habló de un actor que parecía especialmente prometedor. Kurosawa más tarde escribió que fue a la audición para ver «a un joven dando vueltas por la habitación en un frenesí violento … era tan aterrador como ver a una bestia herida tratando de escapar. Estaba paralizado». Cuando un exhausto Mifune terminó su escena, se sentó y les dirigió a los jueces una mirada de desprecio. 

De inmediato perdió la seleción, sin embargo, Kurosawa, había encontrado su musa. «Soy una persona rara para dejarse impresionar por los actores», dijo más tarde. «Pero en el caso de Mifune, estaba completamente abrumado». Su enérgica e imponente interpretación, sus registros de actuación, su facilidad con los idiomas  y su larga asociación con el aclamado director Akira Kurosawa, colaboraron en 16 películas, lo convirtieron en el actor japonés más famoso de su época, y también el más conocido para el público occidental. 

Kurosawa, junto con el productor Sōjirō Motoki y sus compañeros directores y amigos Kajiro Yamamoto, Mikio Naruse y Senkichi Taniguchi , formaron una nueva unidad de producción independiente llamada Film Art Association (Eiga Geijutsu Kyōkai). Para el trabajo debut de esta organización, y la primera película para los estudios Daiei, Kurosawa recurrió a una obra contemporánea de Kazuo Kikuta y, junto con Taniguchi, la adaptó para la pantalla. El Duelo silencioso (1949) fue protagonizada por Toshiro Mifune como un joven médico idealista que lucha contra la sífilis, en un intento deliberado de Kurosawa para evitar que el actor fuese encasillado en papeles de yakuza.

Mifune y Kurosawa finalmente se separaron después de la película Barbarroja en 1965 y sus carreras tomaron diferentes caminos: Mifune continuó disfrutando del éxito con una serie de películas de samurais y temáticas de guerra y, por el contrario, la producción cinematográfica de Kurosawa disminuyó, obteniendo un éxito irregular. 

La relación entre Kurosawa y Mifune se mantuvo distante durante tres décadas, aunque Kurosawa admitió en la revista Interview que «todas las películas que hice con Mifune, sin él, no existirían». 

Comenzando la década de los años cincuenta, los estudios Daiei pidieron a Kurosawa que realizara otra película para ellos y eligió la historia de un joven aspirante a guionista, Shinobu Hashimoto, con quien trabajaría en nueve de sus películas. Su primer esfuerzo conjunto se basó en la historia corta experimental de Ryūnosuke Akutagawa » En una arboleda» , que relata el asesinato de un samurai y la violación de su esposa desde varios puntos de vista diferentes. Kurosawa vio potencial en el guión, y con la ayuda de Hashimoto, lo pulió y expandió, presentándolo a Daiei, que estaba feliz de aceptar el proyecto debido a su bajo presupuesto. El proyecto fue Rashomon (1950) y se considera la primera obra maestra del director nipón 

Reconocimiento Internacional de Kurosawa 

Las críticas de la película Rashomon, fueron muy tibias, aunque supuso un gran éxito comercial. Mientras tanto, sin que Kurosawa lo supiera, Rashomon fue presentada en el prestigioso Festival de Cine de Venecia, gracias a los esfuerzos de Giuliana Stramigioli, una representante con sede en Japón de una compañía cinematográfica italiana, que había visto y admirado la película y convenció a Daiei para que la presentara. El 10 de septiembre de 1951, Rashomon recibió el premio más alto del festival, el León de Oro, lo que sorprendió no solo a Daiei sino al mundo del cine internacional, que en ese momento desconocía en gran medida la tradición cinematográfica japonesa de décadas.

Este éxito a su vez abrió los mercados de  Estados Unidos y de Occidente en general, a las películas japonesas durante la década de 1950. Entre los cineastas japoneses cuyo trabajo, como resultado, comenzó a ganar premios de festivales y lanzamientos comerciales en Occidente se encontraban Kenji Mizoguchi ( La vida de Oharu , Ugetsu, Sansho el alguacil ) y, algo más tarde, Yasujirō Ozu (Historia de Tokio , Un otoño Tarde ). Todos ellos artistas muy respetados en Japón pero, antes de este período, casi totalmente desconocidos en Occidente. 

La creciente reputación de Kurosawa entre el público occidental en la década de los años cincuenta, hizo que el público occidental simpatizara más con la recepción de generaciones posteriores de cineastas japoneses que van desde Kon Ichikawa , Masaki Kobayashi , Nagisa Oshima y Shohei Imamura. 

Su carrera, impulsada por su repentina fama internacional, Kurosawa, ahora se reunió con su estudio de cine original, Toho (que luego produciría sus próximas 11 películas), listo para trabajar en su próximo proyecto, Vivir (Ikiru, 1952 ). La película está protagonizada por Takashi Shimura como un burócrata de Tokio enfermo de cáncer, Watanabe, en una búsqueda final del significado de la vida, antes de su muerte. Para el guión, Kurosawa trajo a Hashimoto y al escritor Hideo Oguni, quien coescribió otras 12 películas de Kurosawa. A pesar del tema sombrío, los guionistas adoptaron un enfoque satírico, que algunos han comparado con el trabajo de Brecht, tanto para el mundo burocrático de su héroe como para la colonización cultural estadounidense de Japón. Debido a esta estrategia, se les atribuye un cambio de imagen en el tipo de sentimentalismo común en los dramas sobre personajes con enfermedades terminales. Sigue siendo la más aclamada de todas las películas del artista ambientadas en la era moderna

En diciembre de 1952, Kurosawa llevó a sus guionistas de Vivir (Ikiru, 1952) , Shinobu Hashimoto y Hideo Oguni, a un aislamiento de cuarenta y cinco días en una posada para crear el guión de su próxima película, Los siete Samuráis Shichinin no Samurai , 1954). El trabajo en conjunto fue la primera película de samurai de Kurosawa , el género por el cual se haría más famoso. La historia simple, sobre una aldea agrícola pobre en el período Sengoku, Japón, que contrata a un grupo de samuráis para defenderla de un ataque inminente de bandidos, recibió un tratamiento épico completo, con un elenco enorme (en gran parte formado por veteranos de producciones anteriores de Kurosawa) y una acción meticulosamente detallada, que se extiende a lo largo de casi tres horas y media.

El siguiente proyecto de Kurosawa, Trono de sangre (1957), una adaptación libre de la obra de William Shakespeare Macbeth, al igual que siete samuráis, situada en la época  Sengoku, representaba una adaptación ambiciosa de la obra Inglesa en un contexto japonés. Kurosawa ordenó a su actriz principal, Isuzu Yamada , que considerara la obra como si fuera una versión cinematográfica de un clásico literario japonés más que europeo. 

Sin embargo, las tres películas consecutivas de Kurosawa después de Los Siete Samuráis no habían logrado captar audiencias japonesas de la manera que lo hizo esa película. Los temas centrales de las últimas películas del director,  se había vuelto cada vez más pesimista y oscuros, con la posibilidad de redención a través de la responsabilidad personal ahora muy cuestionada. 

Reconociendo esta circunstancia, deliberadamente buscó una película más alegre y entretenida para su siguiente producción, mientras cambiaba al nuevo formato de pantalla panorámica que había ganado popularidad en Japón. La película resultante, La fortaleza escondida (1958), es una comedia de acción y aventura sobre una princesa medieval, su leal general y dos campesinos que necesitan viajar a través de las líneas enemigas para llegar a su región de origen. Se convirtió en un enorme éxito de taquilla en Japón y recibió una cálida acogida por parte de los críticos tanto en Japón como en el extranjero. Hoy, la película se considera uno de los esfuerzos más ligeros de Kurosawa, aunque sigue siendo popular, sobre todo porque es una de las principales influencias en la ópera espacial de 1977 de George Lucas, La Guerra de las Galaxias

El declive de Akira Kurosawa 

Comenzando con Rashomon, las producciones de Kurosawa se habían vuelto cada vez más grandes y también los presupuestos del director. Toho, preocupado por este desarrollo, sugirió que podría ayudar a financiar sus propias obras, reduciendo así las pérdidas potenciales del estudio y, a su vez, permitiéndose más libertad artística como coproductor. Kurosawa estuvo de acuerdo y la Compañía de Producción Kurosawa se estableció en abril de 1959, con Toho como accionista mayoritario

A mediados de la década de los años sesenta, Kurosawa abordó uno de las películas más ambiciosas hasta la fecha, Barbarroja (1965) . La filmación fue la más larga del cineasta, duró más de un año y dedicaron cinco meses a la preproducción, dejando al director, su equipo y sus actores exhaustos. Se convirtió en la producción japonesa más taquillera del año y la tercera (y última) película de Kurosawa en encabezar la prestigiosa encuesta anual de críticos nipones, sigue siendo una de las obras más conocidas y queridas de Kurosawa en su país natal. 

La película marcó el final de una era para su creador. El propio director reconoció esto en el momento de su lanzamiento, diciéndole al crítico cinematográfico Donald Richie que un ciclo del cine anterior acababa de terminar y que sus futuras películas y métodos de producción serían diferentes. En cierta medida, la televisión comenzó a dominar cada vez más el tiempo libre de la antigua y leal audiencia del cine japonés. Y a medida que los ingresos de la compañía cinematográfica disminuyeron, también lo hizo su apetito por el riesgo, particularmente el riesgo representado por los costosos métodos de producción de Kurosawa

Durante sus veintinueve años previos en la industria del cine, que incluye sus cinco años como asistente de dirección, dirigió veintitrés películas, mientras que durante los veintiocho años restantes, por muchas y complejas razones, sólo completaría siete. Incapaz de asegurar fondos para seguir trabajando y supuestamente sufriendo problemas de salud. Además, por razones que nunca se explicaron adecuadamente, Barbarroja sería su última película protagonizada por Toshiro Mifune.

Después de su fracaso en Hollywood con Tora, Tora, Tora  y sabiendo que su reputación estaba en juego, Kurosawa se movió rápidamente a un nuevo proyecto para demostrar que todavía era viable. En su ayuda vinieron amigos y famosos directores Keisuke Kinoshita , Masaki Kobayashi y Kon Ichikawa, quienes junto con Kurosawa establecieron en julio de 1969 una compañía de producción llamada Club de los Cuatro Caballeros (Yonki no kai). Pero los proyectos no salieron como esperan, el club se disolvió y Kurosawa llegó al punto de quiebra personal, agravado por un estado de salud delicado, el 22 de diciembre de 1971, se cortó las muñecas y la garganta varias veces. El intento de suicidio no tuvo éxito y la salud del director se recuperó bastante rápido, con Kurosawa ahora refugiándose en la vida doméstica, sin saber si alguna vez dirigiría otra película.

A principios de 1973, el estudio soviético Mosfilm se acercó al cineasta para preguntarle si estaría interesado en trabajar con ellos. Kurosawa propuso una adaptación de la obra autobiográfica Dersu Uzala del explorador ruso Vladimir Arsenyev. El libro, sobre un cazador Goldi que vive en armonía con la naturaleza hasta que fue destruido por la civilización invasora, fue uno de los que había querido hacer desde la década de 1930. Dersu Uzala tuvo su estreno mundial en Japón el 2 de agosto de 1975 y aunque tuvo buen  éxito de la taquilla, pero la recepción de la crítica japonesa fue muy tibia.

La última etapa de Kurosawa

Kurosawa temía que nunca volvería a  hacer otra película, el director siguió trabajando en varios proyectos, escribiendo guiones y creando ilustraciones detalladas, con la intención de dejar atrás un registro visual de sus planes en caso de que nunca pudiera filmar sus historias. 

En 1977, el director estadounidense George Lucas lanzó Star Wars, una película influenciada por La fortaleza escondida de Kurosawa. Lucas, como muchos otros directores del Nuevo Hollywood , veneró a Kurosawa y lo consideró un modelo a seguir, y se sorprendió al descubrir que el cineasta japonés no podía obtener financiación para ningún trabajo nuevo. 

Los dos se reunieron en San Francisco en julio de 1978 para discutir el proyecto que Kurosawa consideraba más viable financieramente: Kagemusha, la historia épica de un ladrón contratado como el doble de un señor medieval japonés de un gran clan. Lucas, cautivado por el guión y las ilustraciones de Kurosawa, aprovechó su influencia sobre 20th Century Fox para forzar al estudio que había despedido a Kurosawa sólo diez años antes, para producir Kagemusha, y posteriormente  reclutó a su compañero Francis Ford Coppola como coproductor. 

La película se estrenó en Tokio en abril de 1980, convirtiéndose rápidamente en un gran éxito en Japón. También fue un éxito crítico y de taquilla en el extranjero, ganando la codiciada Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de ese mismo año. 

El éxito internacional de Kagemusha le permitió a Kurosawa continuar con su próximo proyecto, Ran, otra epopeya en un sentido similar. También necesitó la ayuda financiera internacional, esta vez llegó desde Francia. Para la producción de sus últimos films, acudió a otro admirador suyo Steven spielberg, que fue el instrumento definitivo para la financiación de sus últimos trabajos. 

En 1990, recibió el Oscar Honorífico por su trayectoria y póstumamente, fue nombrado «Asiático del siglo » en la categoría «Artes, literatura y cultura» por la revista Asian Week y CNN, citada allí como una de las cinco personas que más destacó contribuyó a la mejora de Asia en el siglo XX. 

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