El joven Ahmed (2019) de los Hermanos Dardenne: La vulnerabilidad de los jóvenes en conflicto

El joven Ahmed, devuelve los hermanos Dardenne a un tema central de sus preocupaciones, expresadas en películas como El Niño (2005) y el Hijo (2002), que es la vulnerabilidad de los jóvenes en conflicto, su fragilidad durante la edad de transición entre niño y adulto  y, paradójicamente, también su fuerza y su determinación de sobrevivir. 

La suya es una fuerza ingenua derivada de no comprender cuánto tienen que perder, o incluso cuán vulnerables son las figuras adultas que tienen autoridad sobre ellos. Esta es una película poderosa sobre un tema contemporáneo, donde los directores regresan a la confianza de los actores no profesionales y vuelven a su cine reflexivo, sin adornos, solo lo esencial.

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Costa Gavras : «El cineasta debe hacer preguntas, pero no dar respuestas «

Costa-Gavras es conocido por tratar temas muy incómodos para la sociedad, siempre desde su independencia, por ello creó su propia productora desde la que ha financiado casi todas sus películas. La ley y la justicia, la opresión, la violencia legal e ilegal y la tortura son temas comunes en su trabajo. 

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ALMA MATER ( Insyriated, 2017), es la resistencia del ser humano a convertirse en un refugiado

El pasado viernes se estrenó en las salas de cine españolas una pequeña joya cinematográfica “Alma Mater”, una producción belga sobre la guerra en Siria, donde el director y escritor Philippe Van Leeuw pone el foco en las consecuencias de un conflicto bélico sobre una familia corriente atrapada dentro de su casa.

Es el segundo trabajo como director de Philippe Van Leeuw, que ya nos había sorprendido con “ El día en el que Dios se fue de viaje “ (2009), un drama semidocumental sobre el genocidio ruandés en la década de los noventa. En “Alma Mater”, nos presenta un guión concisamente escrito y cuya historia no podría ser más oportuna en vista de los traumas que afligen actualmente al pueblo sirio.

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«The Salesman» ( El viajante) de 2016 dirigida por Asghar Farhadi

En 2016 el director iraní Asghar Farhadi, ganó su segundo Oscar, por Mejor película de habla no inglesa por The Salesman (El viajante). Farhadi, ya había obtenido el mismo galardón en 2012 por  Nader y Simin, una separación . El director irançí no acudió a la ceremonia de los premios Oscar de 2017, en protesta por la prohibición decretada por Donald Trump, contra el ingreso de personas de siete países de mayoría musulmana.

 La  astronauta Anousheh Ansari y la científica de la NASA Firouz Naderi aceptaron el premio de mejor película extranjera en representación de Farhadi y leyeron su discurso: 

«Lo siento por no estar aquí esta noche. Este premio es para todos los demás países que no han sido tratados con respeto… esto hace que los países se sientan fuera.. los cineastas queremos crear una empatía con nuestra cámara, una empatía que necesitamos más que nunca»

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«La chica desconocida» de 2016 dirigida por Jean-Pierre y Luc Dardenne

En La chica desconocida (2016)  los Hermanos Dardenne, se sirven del cine como herramienta de denuncia social, que utilizan para poner a nuestra sociedad moderna, igualitaria y ejemplo de bienestar, frente a sus propias contradicciones. 

 Una vez más en el cine de los directores belgas, la protagonista de la historia es una mujer. Jenny Davin, excelentemente interpretada por Adelè Haenel, es una médico generalista, que gestiona un pequeño centro de salud en la localidad belga de Seraing, próxima a Lieja. Sola frente a todas las tareas de asistencia en el pequeño ambulatorio, únicamente cuenta con la ayuda de Julien, médico en prácticas en crisis vocacional. La fortaleza de Jenny es arrolladora y ante el episodio de un ataque epiléptico de un paciente, Julien no sabe reaccionar ante la crisis, provocando el enfado de Jenny: 

     «Un buen médico tiene que controlar sus emociones» le dice Jenny 

Debido a su enfado y pasada la hora de cierre del centro, ante una llamada al timbre, Jenny decide no abrir la puerta para atender a quien fuese:

    «Si fuese urgente habría llamado dos veces»  insiste Jenny 

Al día siguiente, la policía le comunica el hallazgo de una joven muerta, a pocos metros del centro asistencial. A través de las cintas de grabación, se observa que fue dicha joven la que intentó pedir ayuda llamando al timbre.

Con este inicio, los directores nos conducen por la película con el formato de un thriller, donde Jenny, bajo el peso de un insondable sentimiento de culpa, decide investigar la identidad de la joven y las causas de su muerte. Con un trazo muy fino y sutil, los Dardenne muestran una sociedad paralela bajo la aparente normalidad de nuestro día a día. Jenny nos descubre, la importante labor de la asistencia sanitaria, el desempleo y el sistema de subsidios, la marginalidad, la drogadicción y la prostitución. 

Es una mirada inteligente sobre el choque de dos mundos ajenos y que conviven en nuestra sociedad del bienestar. En la mayoría de las películas, dicho choque suele producirse en las comisarías de policía, aquí nos lo muestra a través de una joven médico, a punto de progresar en su carrera y dedicarse a la medicina privada.

En el thriller, poco importa quién es el asesino de modo singular, ya que las perseverantes y valientes pesquisas de Jenny nos conducen a una responsabilidad colectiva en la triste muerte de nuestra chica desconocida. 

» Si estuviera muerta no estaría en nuestros pensamientos» Jenny Davin 

El realismo cotidiano de los Hermanos Dardenne, me transporta al cine del neorrealismo italiano de la postguerra, donde la figura de la mujer vuelve a tomar el protagonismo, como una figura luchadora, valiente, que al hacer lo correcto, consigue provocar aquellos cambios que nuestra sociedad debe incorporar, para que podamos avanzar. Como explican los directores: 

“Para nosotros, la mujer es el futuro del hombre. En nuestro cine, las mujeres son las que dominan la situación, las que actúan, son personas libres y hacen que las cosas avancen”

FICHA TÉCNICA

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«El ladrón de bicicletas» de 1948 dirigido por Vittorio De Sica

Una de la películas más premiados de la historia del cine y, tal vez, una de las obras más conocidas y reconocidas del neorrealismo italiano es el  Ladrón de bicicletas de 1948 dirigida por Vittorio de Sica. En ella nos muestra la historia de Antonio Ricci ( Lamberto Maggiorani), un obrero en paro de los suburbios de Roma, al que le ofrecen empleo como fijador de carteles, pero para ello es imprescindible tener una bicicleta.

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«Moonlight» de 2016 dirigida por Barry Jenkins

«A la luz de la luna, los chicos negros parecen azules «

En mi cine hasta el amanecer, hoy traigo «Moonlight» de 2016 dirigida por Barry Jenkins, una película interpretada únicamente por actores y actrices negros, dirigida por un director negro y destinada a un público de todos los colores. Ya en 1929 King Vidor realizó la película «Hallellelujah», que estaba enteramente interpretada por actores negros. En su autobiografía «Un árbol es un árbol» dijo: » Desde hacía unos cuantos años, …quería hacer un film sobre los negros, utilizando solo actores negros. La sinceridad y el fervor de su expresión religiosa me intrigaban, tanto como la honesta simplicidad de su conducta sexual» . En ella los protagonistas trabajaban en los campos de algodón del Sur de EEUU y asistían todos los domingos a misa, donde cantaban maravillosos espirituales negros y que constituyó una terrible retrato de la sórdida realidad en las condiciones de vida de la comunidad negra.

Después de casi noventa años, los protagonistas de «Moonlight» son personas marginales de Miami, con un entorno económico muy precario, que sufren los problemas de hoy: mobbing en la escuela, una familia desestructurada, problemas de drogas, búsqueda de su identidad sexual.

Barry Jenkins nos cuenta una historia terrible, de un modo muy bello y original . En tres actos, nos muestra primero la vida de Little, un niño de nueve años, muy sensible, acosado en el colegio y con una madre drogadicta que le desatiende. En un segundo acto, Little se ha conertido en Chiron, un adolescente que busca su identidad sexual y un lugar en el mundo que le ha tocado vivir. En el último acto, Chiron se convierte en Black, un pequeño camello de crack, de aspecto brutal y amenazante. 

Es una forma muy inteligente de mostrarnos cómo se construye un delicuente, desde la más tierna y dura infancia y termina adoptando los mismo patrones que la única figura paterna que conoce en su vida: Juan. Mismo trabajo, mismo coche y mismo aspecto. Tal vez, la película carece de la contundencia necesaria para expresar que, Chirón es él y sus circunstancias. Un niño que en un entorno socioeconómico más favorable y con mayor acceso a oportunidades, con un sistema judicial menos propenso a la discriminación racial y con unos valores menos supremacistas, habría tenido otro fin.

El entorno degradado en el que nos sitúa la película, no es casual, ni insólito. Existe una retahíla de estadísticas que corroboran la situación de la minoría negra en EEUU. Algunos ejemplos que lo ilustran:(fuente http://blogs.publico.es/puntoyseguido/3454/eeuu-los-negros-subversivos-y-las-cumbres-de-cerveza-de-obama/ 2016 )

  1. De los 50 millones de personas que viven bajo la línea de la pobreza, el 12,7% son blancos no hispanos, y los 26,2%, negros.
  2. De entre las 18 millones de mujeres que viven en la pobreza, las negras doblan la cifra de las blancas.
  3. .El ingreso medio de los hogares blancos es de 91.000 dólares, el de los negros 7.000.
  4. El desempleo de los negros es doble que el de los blancos, a pesar de que tengan un mejor curriculum.
  5. .Cerca del 80% de las personas retenidas y cacheadas en la calle por la policía es negra.
  6. .Un hombre negro tiene seis veces más probabilidades de ir a la cárcel que uno blanco. Hay más jóvenes negros en la cárcel que en la universidad. Por el mismo delito, los negros pasan mayor tiempo en la prisión que un delincuente blanco.
  7. .Un chaval negro de entre 15 y 19 años, tiene 21 veces más probabilidades de ser asesinado por la policía que uno blanco.
  8. .Este país, con sólo el 5% de la población mundial, alberga el 25% de los presos del mundo. Y los afros, que sólo son el 13% de sus habitantes, componen casi la mitad de los presos. Uno de cada 15 varones negros (y 1 de cada 36 hombres latinos) están actualmente encarcelados. Lo cual significa que EEUU tiene más presos negros de los que tenía la Sudáfrica del Apartheid en proporción a su población.
  9. .Los menores negros son el 60% de los niños presos.

«Las leyes se deberían aplicar de una manera más justa, para que no se apunte únicamente a determinados colectivos», según Nazgol Ghandnoosh, investigadora de The Sentencing Project.

Creo que en el destino de los protagonistas de «Moonlight» se evidencian éstas estadísticas sin decirlas y que viven una vida determinada por la fatalidad de un destino que no pueden evitar.

Mahersala Ali , representa una figura paterna para Little
Little buscando su lugar en un mundo hostíl
Chiron, acosado en el colegio

 

Buscando su identidad sexual
Janelle Moané, una figura materna sustituta
La transformación de Chiron
Magnifica Noamie Harris, como la madre adicta al crack
Completada la conversión de Chiron en  Black

FICHA TÉCNICA: 

Director: Barry Jenkins 

GuiónBarry Jenkins (Historia: Tarell McCraney)


Fotografía: James Laxton 

Música: Nicholas Britell
 
Productora: A24 / Plan B Entertainment / Upload Films
Reparto:  Trevante Rhodes, Naomie Harris, Mahershala Ali, Ashton SAnders, André Holland, Alex R. Hibbert, Janelle Manáe 

 

«Lion » de 2016 dirigida por Garth Davis

 

Saroo Brierley (1981) nació en Khandwa, Madhya Pradesh (India), pero con tan solo cinco años se perdió en las calles de Calcuta a 1.600 Km de su casa. Casi un año más tarde, fue entregado en adopción a un familia que reside en Hobart, Tasmania (Australia).

El film está basado en la novela autobiográfica del propio Saroo Brierley, «Un largo camino a casa» (Península). La familia biológica de Saroo era muy pobre, agravada por el abandono del padre por otra mujer y su madre, Kamla, trabajaba muy duramente en una cantera, acarreando piedras para sacar adelante a sus cuatro hijos. Con muchas dificultades para poder comer cada día, Guddu el mayor de sus hijos con solo diez años, intentaba ayudar a su madre, barriendo vagones de trenes, robando carbón o trabajando de bracero.

Acompañando a Guddu para buscar trabajo, Saroon se quedó dormido en una estación y al despertar, buscó a su hermano en el interior de un tren. Una vez en marcha, el pequeño quedó atrapado en el mismo, durante cerca de catorce horas y llegó hasta Calcuta, donde pudo bajarse. Saroo, no sabía el nombre de su pueblo, ni sabía leer, ni tampoco conocía el idioma bengalí, ya que procedía de un zona donde se hablaba el hindi.

Durante casi un año, sobrevivió en las Calles de Calcuta, hasta que terminó en un orfanato y fue adoptado por Sue y John Brierley. Casi veinte años después, cuando el joven Saroon, se trasladó a Canberra a estudiar, se encontró con muchos estudiantes de origen indio. A partir de aquel momento, se estableció una lucha en su interior para encontrar sus orígenes, a su familia biológica y su identidad.

Para ello reunió todos sus escasos recuerdos y realizó búsquedas sistemáticas en Google Earth. Tras cinco años navegando por Internet y reconstruyendo el camino recorrido por el tren, Saroo encontró Ganesh Talai, la zona donde vivía de niño. En el año 2013 Google Maps hizo su campaña de comunicación con la historia real de Saroo Brierley, como ejemplo de la utilidad y las personas como valor de referencia de la marca. 

El film tiene una primera parte sobrecogedora. La extrema pobreza que muestra de la India, el caos, la miseria, la mareante sobrepoblación, la indiferencia de sus gentes, las nubes de niños perdidos y abandonados. Las imágenes del orfanato, son demoledoras y deprimentes. Con muy pocas palabras, el director transmite todas esas sensaciones, ayudado por la interpretación de Sunny Pawar, un niño que desde el primer fotograma te roba el corazón.

De la segunda parte, que transcurre en Australia con la familia adoptiva de Saroo, hay que destacar la interpretación de Nicole Kidman como Sue Brierley, a Dev Patel como Saroo adulto y Rooney Mara, su novia.Tal vez, hubiese preferido que en lugar de prevalecer el melodrama personal, y transitar por terrenos más convencionales, el director hubiese realizado un análisis más profundo sobre la lacra de la pobreza,la injusticia en el reparto de la riqueza y la falta de oportunidades de millones de niños.

Ésta es una historia de final feliz, pero existen más de 80.000 niños en la India que desaparecen cada año y que jamás tendrán la más mínima posibilidad de salir adelante. Una vez más, cine social para reflexionar sobre las grandes desigualdades de nuestro mundo.


Maravillosa la mirada y la sonrisa de Sunny Pawar
Aunque con una vida porbre, Saroo vive rodeado de su familia antes de perderse
Saroo con su hermano Guddu
La luz cambia para mostrarnos la tenebrosa Calcuta, llena de peligros para el pequeño Saroo

 

Estupenda Nicole Kidman, como Sue Brierley
Dev Patel y Rooney Mara, una pareja con química
La angustia de la búsqueda de la propia identidad
Por una vez, la vida real nos ofrece un final feliz

TRAILER DE LION 



CAMPAÑA DE GOOGLE EARTH 
Saroo Brierley: Homeward Bound

FICHA TÉCNICA:

Dirección: Garth Davis
Guión: Luke Davies ( Novela: Saroon Brierley)

Música: Volker Bertelmann, Dustin O´Halloran
Fotografía: Greig Fraser

Productora: Coproduccion Australia-GB-USA; See-Saw Films / Screen Australia / Sunstar Entertainment / Weinstein Company
Reparto: Dev Patel, Sunny Pawar, Nicole Kidman, Rooney Mara, David Wenham, Nawazuddin Siddiqui, Tannishtha Chatterjee, Deepti Naval

 

«Loving» de 2016 dirigido por Jeff Nichols

En Cine hasta el amanecer, recomendamos un magnífico estreno en España de éste año 2017 es la película «Loving» dirigida por Jeff Nichols. Un joven director que me fascina por su original perspectiva y sabia mezcla de los hechos más cotidianos, con de los fenómenos absolutamente fantásticos.
Ya he mencionado mi admiración por «Take Shelter » de 2011, sobre la esquizofrenia en un pueblo del Ohio profundo. También es sensacional la recreación del ambiente de una isla del Mississippi y las amargas aventuras de dos niños a lo Tom Sawyer en «MUD» de 2012 . Me gustó «Midnight Special » de 2016 un thriller sobrenatural, rodado como una road movie y lleno de suspense.

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«Europa 51 » de 1952 dirigida por Roberto Rossellini

Continuando con mi  ciclo particular de Roberto Rosselini,, una vez finalizada la llamada «Trilogía Neorrealista o Trilogía de la Guerra», y  tras la película de transición L’Amore (1948) (con Anna Magnani), llegamos a la denominada «Trilogía de Ingrid» y dentro de la misma hoy traigo «Europa 51 » de 1952
En ella un rico matrimonio estadounidense, lleva una vida burguesa en Roma, frívola y superficial , ajenos a los esfuerzos que realiza buena parte de la población romana, por sobrevivir a las penurias de la post guerra.
Su hijo de apenas doce años ( la misma que Edmund Kolher. en Alemania Año Cero) , goza de todos los privilegios y caprichos de su clase , salvo por la sobreprotección de su madre que no quiere enviarlo a un colegio y , al mismo tiempo , la falta de atención de la misma hacia él. 
 
En los primeros minutos de película, se respira la profunda triteza e infelicidad del niño que, en su desesperación, se suicida . 
 
Paralelamente , Rossellini nos sitúa en el contexto político de los años cincuenta, donde el enfrentamiento entre los dos grandes bloques mundiales ya era una realidad y se había iniciado la guerra fría con un esclada de hostilidades entre el capitalismo occidental y el sistema comunista del bloque soviético.
 
Irene Girard (Ingrid Bergman) cae enferma de dolor y remordimiento, por no haber sido capaz de dedicarle más atención a su hijo fallecido ( de nuevo, la muerte de un niño y el profundo dolor de los padre, al igual que Rossellini que perdió a su hijo de nueve años en 1946) .
 
En busca de redención para su profunda tristeza y pesar, Irene comienza a visitar los barrios pobres de la ciudad y toma consciencia de la vida tan vacía y sinsentido, llegando a odiar su pasado y todo lo que forma parte de él. 
 
Rossellini, aprovecha para mostrarnos el mundo obrero de Roma, las fábricas de horarios interminables y nulas condiciones . En una situación de casi esclavitud, llega a expresar Irene poseedora de una nueva consciencia social, trabajadoras encadenadas a las máquinas. Por otra parte, en el reverso está el personaje de Giulietta Masina, pobre y abandonada pero llena de vida y  positivismo . Se dedica a recoger y cobijar a todos los niños abanados en unas calles aún destruidas o a medio reconstruir. Una vida pobre, pero llena de amor.
 
Irene ( Bergman) decide abandonar su hogar y su vida pasada, para entregarse al amor que siente por los más necesitados. Un amor hacia los demás sin condiciones, tal y como son, con sus defectos y miserias. Un camino desconocido hasta ese momento para ella, que le permitirá alcanzar la felicidad
 
Al parecer , la idea surgió durante el rodaje de «San Francisco, juglar de Dios» en 1950. Alguien del equipo apuntó: 

«si hoy viviese San Francisco, la sociedad lo tomaría por un loco» 

 
Efectivamente, los distintos poderes fácticos que rodean a Irene, no comprenden sus ideales, pensando que tal vez se haya convertido en una comunista o quiera abrazar la fe ingresando en un convento. 
 
Me parece el film más político de Rossellini,  que desde los inicios de su estilo neorrealista, quiso acercarse a la realidad social del pueblo, más desde una perspectiva religiosa y poética que sociopolítica
 
La interpretación de Ingrid Bergman, es soberbia . El contraste que consigue con su elegante caminar y forma de vestir, su rostro sereno y bellísimo, contrasta con con los rostros de los suburbios pobres, personajes harapientos , de vulgares formas y rostros curtidos.
 
La sociedad de la post guerra no iba a premitir la existencia de un personaje esencialmente buenos y generoso. Una obra imprescindible!!
 
Ingrid Bergman como Irene Girard
El profundo dolor de Irene por ver a su hijo postrado
Buenos propósitos que llegan tarde
La transformación de Irene y su nueva conciencia social
Maravillosa Giulietta Masina
Todos desconfían de la nueva Irene
Solo sus pobres necesitados, parecen corresponder a su amor

 

Soberbia Ingrid Bergman
 

FICHA TÉCNICA: 
 

Director: Roberto Rosselini
Guión : Roberto Rossellini, Sandro De Feo, Mario Pannunzio, Ivo Perilli, Brunello Rondi

Fotografía: Aldo Tonti (B&W)
Música: Renzo Rossellini

Productora: Ponti-De Laurentiis Cinematografica
Reparto: Ingrid Bergman, Alexander Knox, Ettore Giannini, Teresa Pellati, Giulietta Masina, Marcella Rovena, Tina Perna, Sandro Franchina, Giancarlo Vogorelli, Maria Zanoli