Un lugar en la cumbre (1959) de Jack Clayton: Una historia de lujuria y ambición

Un lugar en la cumbre (Room at the Top, 1959),  según la crítica es el máximo exponente de éste movimiento y una de las películas más devastadoras emocionalmente jamás creadas en el Reino Unido. The Angry Young Man fueron unos jóvenes cineastas que, desde comienzos de los años 50, buscaron cinematográficamente sus raíces en la mejor tradición del cine británico, el documental de Humphrey Jennings y se inspiraron en el neorrealismo italiano y el realismo poético francés.

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Bernardo Bertolucci: El último maestro del cine italiano

El director, guionista y productor de cine italiano Bernardo Bertolucci (1941-2018) se encuentra entre los directores más representativos e internacionalmente conocidos. Es el único italiano que ganó un Oscar en la categoría de Mejor Director, teniendo en cuenta que Frank Capra , también galardonado con un premio, era italiano pero nacionalizado estadounidense.

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Pier Paolo Pasolini: Poeta maldito, director brillante y un ensayista inagotable

El director de cine, poeta, escritor e intelectual italiano Pier Paolo Pasolini (1922 – 1975), también se distinguió como actor, periodista, novelista, dramaturgo y figura política. Una figura compleja e intensa, considerado uno de los más grandes artistas e intelectuales del siglo XX

Su declarada homosexualidad, siempre estuvo en el centro de su figura pública y la relación entre Pasolini y la religión católica se mantuvo en una delgada línea entre lo espiritual y lo profano. Fue dolorosamente consciente de la recepción incómoda y difícil que tenían sus obras por parte del público, sobre todo en lo concerniente al catolicismo, pero se mantuvo coherente hasta su trágico final.

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La cosecha estéril (1962) de Bernardo Bertolucci

La ópera prima de Bernardo Bertolucci La cosecha estéril de 1962, es una película perteneciente al movimiento cinematográfico del neorrealismo italiano tardío. La historia se basa en una investigación policial sobre el asesinato de una prostituta, cuyo cuerpo abandonado en un parque próximo al río Tíber se revela en las primeras escenas del film.

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«Mamma Roma» de 1962 dirigida por Pier Paolo Pasolini

Mamma Roma de 1962, es la segunda película del director Pier Paolo Pasolini que escribió el guión antes del estreno de su aclamada Accattone, donde de nuevo, contó con la inestimable ayuda de Sergio Citti. 

En el papel del rufián Carmine, repite su hermano Franco Citti y cuenta con la gran Anna Magnani en el papel de Mamma Roma. En esta ocasión, Bernardo Bertolucci no actuó como asistente de dirección, ya que se encontraba rodando La cosecha Estéril ( La commare seca ) de 1962, con guión de Pier Paolo Pasolini. Ambos films se presentaron en el Festival de Venecia del mismo año, obteniendo un gran éxito.

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«Accattone» de 1961 dirigido por Pier Paolo Pasolini

El film Accattone de 1961 supuso el  debut cinematográfico del iconoclasta y polifacético director  Pier Paolo Pasolini, aunque ya había logrado gran notoriedad y fama como escritor y poeta. La película se inspira en I Vitelloni  de 1953 y dirigida por Federico Fellini , director por el que sentía una gran admiración y con el que colaboró en varios guiones, como Las noches de Cabiria  o La Dolce vita

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«Rocco y sus hermanos» de 1960 dirigida por Luchino Visconti

«Para ganar hay que hacer sacrificios» Rocco Parondi 

En cine hasta el amanecer no podía faltar en mi ciclo particular sobre el neorrealismo italiano, la película que para muchos es la primera obra maestra de Luchino Visconti «Rocco y sus hermanos» de 1960. Un melodrama que nos muestra a la familia Parondi que, en su huida de la pobreza y la falta de oportunidades de la vida rural en la soleada Lucania ( actualmente denominada Basilicata, en el sureste de Italia), emigra a la fría e industrial ciudad de Milán. Un nuevo estilo de vida, los cambios en las relaciones familiares y el sacrificio de ciertos valores morales frente a las ventajas económicas de la industrialización, cambiarán la vida de estos cinco hermanos para siempre.

Al igual que en «La terra trema: episodio del mare» (La tierra tiembla: Episodio del mar) de 1948, donde la familia Valastro luchaba contra el injusto orden social establecido y su supervivencia, la familia Parondi se traslada a Milán en busca de nuevas oportunidades, huyendo de una existencia llena de sufrimiento, hambre y desesperanza. La película analiza la evolución de cada uno de los cinco hermanos y su adaptación al nuevo entorno, frío, hostil y desconocido, la relación entre ellos y la progresiva degración del núcleo familiar. 

En Milán se encuentra trabajando Vincenzo Parondi, el mayor de los hermanos, que trabaja como albañil  y ha creado una familia con Ginetta (una adorable y jovencísima Claudia Cardinale de apenas 22 años). Vincenzo es el que mejor se ha adaptado a su nueva vida, lejos del pueblo, del espíritu de clan, de sus lazos con la tierra. Divide su tiempo entre su trabajo, su propia familia y su afición por el boxeo. 

Ciro el cuarto de los hermanos (interpretado por  Max Cartier, que pronto abandonó la actuación para convertirse en escultor) , quiere seguir el ejemplo de su hermano Vincenzo. Consigue terminar sus estudios y comienza a trabajar en la fábrica milanesa de coches Alfa Romeo, icono del desarrollo industrial transformador de la sociedad italiana de la postguerra. Ciro quiere formar su propia familia y no regresar nunca a una tierra que les robó a su padre y les condenó a una infancia llena de penurias.

Mención especial requiere la relación entre los dos hermanos intermedios. Simone (interpretado por Renato Salvatori)  y Rocco ( con un magnífico Alain Delón), quedan ligados por distintas circunstancias al mundo del boxeo, los bajos fondos y las malas compañías. Son las dos caras de la misma moneda, cuanta más bondad y clemencia manifiesta Rocco, mayores son los celos, el odio, el egoismo y la decadencia de Simone. Rocco muestra unos principios inquebrantables sobre la unidad familiar, que le obligan a realizar los sacrificios personales más duros de su vida, a renunciar a su amor, a sus deseos de volver a su tierra natal, a la que se siente muy ligado. A pesar de su odio por el  boxeo, al que se tiene que dedicar para salvar a su familia, es mucho mejor que su hermano Simone. Aquí comienzan los celos de Simone por el bueno de Rocco y entonces llega Nadia a sus vidas. 

Nadia ( guapísima Annie Girardot y magnífica en su papel)  es una prostituta, una mujer abandonada a su suerte en una sociedad machista, que queda deslumbrada por la bondad de Rocco y por el profundo amor que siente por ella. Ella es como una moneda de cambio, un juguete, una forma más de Simone de herir a su hermano y, de este modo , herirse  así mismo. Poco importan los sentimientos de Nadia, es un caso entre hermanos, un «asunto de hombres». Tal vez al igual que en la sociedad italiana de finales de los cincuenta, ella representa a aquellas mujeres vapuleadas por la vida, sin otra salida que la prostitución o el matrimonio por horrible que éste sea y que son un débil eslabón en toda la cadena de transformaciones de una sociedad moralmente injusta, y cuyos cambios no siempre significa que sean para mejor.  

El pequeño Luca, supone para toda la familia Parondi, una esperanza de futuro. Todos los hermanos tratan de enseñarle lo mejor para su vida adulta, pero al final lo que le queda es el ejemplo del comportamiento de cada uno de ellos. Vincenzo y Luca convertidos en obreros, Simone un perdedor egoísta sin futuro y Rocco con sus deseos de volver a su tierra y seguir ligado al campo y sus ideales, convertido en un «ciudadano» que no podrá abandonar su nueva vida. 

«Recuérdalo Luca, esa tierra nuestra, es la tierra de los olivos, el cielo azul y el arcoiris… solo espero volver algún día a ella» dice Rocco 

Sin embargo, Ciro le recuerda a Luca porqué abandonaron la tierra que les vio nacer, y nos resume el tremendo choque cultural entre la vida rural y la ciudadana:

«La gente en nuestra tierra vive como animales, solamente conocen el trabajo y la sumisión, pero a cambio ellos viven sin necesidad de servirse de los demás y sin olvidarse nunca de sus propios deberes. Pero esto lo olvidó Simone y por eso ha tenido el final que ha tenido….. Se ha perdido y nos ha llenado a todos de vergüenza » Ciro Parondi 

«Rocco y sus hermanos» es la sexta película de Visconti, que empezó con un cine neorrealista en blaco y negro y después de dos películas históricas en color sobre el «resurgimento» «Senso» y «Noches Blancas» una adpatación de Dostoievski, de gran puesta en escena, vuelve a un melodrama en grises de una Milán industrial, con barrios muy pobres sin desarrollar y situaciones de gran injusticia social.

Cuando en 1948 se celebraron las primeras elecciones democráticas en la Italia de la postguerra, ganó ampliamente la Democracia Cristiana ( DC) ante el Frente Popular Democrático (  FPD) que era fruto de la unión del Partido Socialista y el Partido Comunista. Muchos políticos de la DC se sintieron molestos por la denuncia social que transmitían las películas del movimiento neorrealista, que mostraban una Italia hambrienta, con barrios extremadamente pobres y una delicuencia en aumento.

En 1949 se promulgó una Ley, presentada por el entonces Secretario del Espectáculo Giullio Andreotti, para apoyar y promover el crecimiento del cine italiano y al mismo tiempo frenar el avance de las películas norteamericanas, pero también servía para frenar y controlar la prolifración de películas neorrealistas. Siguiendo ésta regla y antes de que un film recibiera fondos públicos, el guión tenía que ser aprobado por una comisión estatal, pudiendo negar la licencia de exportación a aquellas películas que eran sospechosas de difamar la imagen de Italia. De éste modo nació una especie de censura previa.  

Ésta es una de las razones por las que el cine neorrealista perdió presencia a lo largo de los años cincuenta, a favor de la llamada «Nueva comedia Italiana», ampliamente favorecida por las autoridades del momento. Sin embargo, a finales de los años cincuenta y principio de los sesenta, se produjeron una serie de películas neorrealistas de gran calidad, firmadas por directores ya consagrados como Visconti, Fellini o Antonioni y otros directores noveles que comenzaban su andadura como Pasolini o Bertolucci que constituyó un resurgimiento de dicho género. «Rocco y sus hermanos» puede encuadrarse dentro de éste afortunado resurgimiento, un cine honesto y conmovedor. 

Otra afortunada circunstancia que hace de ésta película una obra maestra es la banda sonora del genio Nino Rota. Una música nostálgica y dramática que sabe acompañar y realzar los momentos más trágicos de la película.

BANDA SONORA DE «ROCCO Y SUS HERMANOS» NINO ROTA

 

 


The Film Foundation de Martin Scorsese y Gucci han financiado la nueva restauración en 4k de Rocco y sus hermanos. El trabajo de restauración, supervisado por el director de fotografía Giuseppe Rotunno, ha sido efectuado en los Laboratoris de L´ Immagine Ritrovatta de la Cineteca de Bolonia a partir de un negativo original. Se han recuperado así algunos planos cortados tras el estreno y también alguna secuencia eliminada antes del mismo, además de devolverle la iluminación y los tonos originales creados por Luchino Visconti y por el propio Giusseppe Rotunno. 

La llegada de la familia Parondi a la estaión de Milán
La madre viuda y los hermanos se instalan en un mísero dormitorio de una barrio obrero 
Vincenzo es el hermano mayor y está comprometido con la hermosa Ginetta 
Una jovencísima Claudia Cardinale de apenas 22 años 
Rocco y Simone se ven inmersos en el mundo del boxeo y los bajos fondos de Milán 
Rocco sueña con dejar el mundo de la ciudad y volver a la vida de campo, donde era feliz 
Parece que la cámara se haya enamorado de Alain Delon
Luchino Visconti acaricia con la cámara el ratro de Delon. 
El enfrentamiento entre Rocco y su hermano Simone treminará en tragedia
La bella Nadine aparece en las vidas de los Parondi . Magnífica Annie Girardot 
La bondad y los sacrificios de Rocco no servirán para nada
Los sentimientos de Nadia no importan,
Simone traerá la vergüenza a su familia 
La industrialización de las ciudades  frente la vida rural mísera y sin oportunidades 
Rocco convertido en un «ciudadano» admirado por su hermano Luca

 

 

 
Director: Luchino Visconti 

Guión : Suso Cecchi d’Amico, Pasquale Festa Campanile, Massimo Franciosa, Enrico Medioli (Relato: Giovanni Testori)


FotografíaGiuseppe Rotunno (B&W)
Música: Nino Rota 

Productora: Coproducción Italia- Francia 
Reparto: Alain Delon, Renato Salvatori, Annie Girardot, Katina Paxinou, Claudia Cardinale, Spiros Focas,Max Cartier, Rocco Vidolazzi, Roger Hanin, Paolo Stoppa, Suzy Delair, Claudia Mori  

 

«Las Noches de Cabiria» de 1957 dirigida por Federico Fellini

Las Noches de Cabiria de 1957 dirigida por Federico Fellini, está considerada su última película perteneciente al neorrealismo italiano, realizada a modo de denuncia social, sobre las condiciones de vida de una gran parte de la sociedad italiana después de la Segunda Guerra Mundial y que se prolongó durante los años cincuenta. 

 Tal vez, en ninguna otra película, salvo en La Strada , Fellini consiguió captar la realidad de un modo tan poético y desgarrador. Otras características del neorrealismo que convergen en ésta película son: la crónica de la cotidaneidad, la descripción de la realidad casi en formato documental, escenarios naturales con una mínima iluminación, actores no reconocidos que, en muchas ocasiones se interpretan a sí mismos y como elemento central de la historia se recupera el la figura de la mujer y sus dificultades para sobrevivir.

 Maria «Cabiria» Ceccarelli, es una prostituta que ejerce en uno de los barrios más pobres de Roma, cerca de las Termas de Caracalla en las afueras de la ciudad. Giulietta Masina, interpretó a Cabiria, una mujer menuda e indefensa, llena de bondad y demasiado ingenua para el cruel entorno en el que vive. Al igual que con Gersomina, Masina nos conmueve con su personaje y Cabiria demuestra una convicción irreductible, en su intento de conseguir el verdadero amor. Busca desesperadamente a un hombre que la aparte de la calle y a quién pueda entregar todo su afecto. Tal vez por ello, unido a su sencillez y credulidad, será objeto de repetidos abusos que la harán fracasar una y otra vez en su empeño.

 Cabiria representa la bondad y la generosidad de un ser que solo ha recibido deslealtad, desapego y olvido, pero que nunca ha perdido la esperanza de encontrar su oportunidad para ser feliz. Para ello se encomienda a San Antonio, que tampoco será de gran ayuda, pero la fortaleza de Cabiria radica en su capacidad de creer en el ser humano y de su redención , sea cual sea su condición y pecado.

 De nuevo nos encontramos con una fructífera colaboración en el guión, que fue una adaptación de la novela de Maria Molinari, realizada por el propio Federico Fellini, Ennio Flaiano y Tullio Pinelli, con diálogos adicionales de Pier Paolo Pasolini. 

 Una vez más Nino Rota nos acompaña con una banda sonora inolvidable, extrañamente alegre y a ritmo de Mambo.

FICHA TÉCNICA

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«Il grido» ( El Grito) de 1957 dirigida po Michelangelo Antonioni

«Rara vez siento el deseo de releer una escena el día antes del rodaje. A veces llego al lugar donde se va a hacer el trabajo y ni siquiera sé a qué voy a disparar» Michelangelo Antonioni para Cahiers du cinema (1960) 

En cine hasta el amanecer, no podía faltar esta primera gran película de Michelangelo Antonioni, «Il Grido» de 1957. El joven Antonioni, apasionado por la música, el dibujo y las Letras, se inició en el cine como ayudante de dirección de Marcel Carnè y al igual que Luchino Visconti, que trabajó con Jean Renoir, quedó muy influenciado por el cine del realismo poético francés. Ambos directores, ayudaron a cimentar las bases del neorrealismo italiano . Escribió numerosos guiones para distintos directores, entre ellos Federico Fellini y , prácticamente, el de todas sus películas.
En «Il Grido» Antonioni nos muestra la realidad  de la Italia de los años de la post guerra, en blanco y negro, con personas viviendo en extrema pobreza, hambrienta e inmersa en profundos cambios sociales promovidos por un proceso de industrialización imparable. En la película, advertimos de fondo un conflicto obrero, que intenta luchar contra dichos cambios, pero la auténtica historia es el drama personal que sufre Aldo ( Steve Cochran) cuando es abandonado por su amada Irma ( Allida Valli)
Aldo, no comprende cómo ha perdido el amor de Irma y trata de resucitarlo mediante todos los recursos que conoce: con regalos, con la fuerza de su amor o incluso, con violencia. Finalmente, ante la firmeza de Irma, Aldo abandona el pueblo, llevándose a la hija de ambos, la pequeña Rosina ( Misna Girardi).
La atmósfera es lúgubre y brumosa, un paisaje con la niebla del Norte de Italia en la región del Po, que le confiere un aspecto pobre, sucio y abandonado. En éste ambiente Aldo quiere escapar de su desamor y busca retomar una antigua relación con Elvia (Betsy Blair ). Elvia, después de siete años, cuando Aldo la abandonó, no ha conseguido retomar su vida y, espera aprovechar esta segunda oportunidad que le brinda el destino. Sin embargo, se cruza la pequeña y sensual Edera y sucumbir a la tentación, hará que Aldo se marche para siempre.
En su vagabundeo Aldo conocerá a Virginia ( Dorian Gray) una mujer fuerte, que gestiona una gasolinera de carretera y cuida de su padre alcohólico. Entre ellos surgirá una atracción, que se verá enturbiada por las obligaciones en el cuidado del padre anciano y la pequeña Rosina . Sin embargo, cuando consiguen deshacerse de sus respectivas obligaciones, la soledad, la incomunicación y la falta de amor es insostenible.
Aldo sigue su particular huida, y termina conociendo a Andreina ( Lynn Shaw) una joven que trabaja como temporera en los campos del Valle de Verccelli de Arroz Amargo , y el resto del año vende su cuerpo para poder comer. Ella creee que Aldo, luchará junto a ella para salir adelante, pero el vacío existencial en el alma de Aldo, hace que no sea capaz de superar la ruptura con Irma, quedando estancado en una insoportable sensación de abandono.
Incapaz de empezar una nueva relación, sin trabajo, agotado por la angustia, Aldo decide regresar a su pueblo y tratar de volver junto a Irma. Aldo es presa de la fatalidad de su destino y, al igual que los protagonistas del realismo poético francés, sucumbe ante su desesperación y pesimismo.
La música de piano de Giovani Fusco, es un contrapunto perfecto para el ánimo abatido de Aldo, que junto al ambiente brumosos, transmite ese sentimeinto de soledad e incomunicación que rodea a todos los personajes.
Una película conmovedora que conteniene gran parte de los temas que serán recurrentes en el futuro cine de Michelangelo Antonioni. Donde habitan unos personajes individuales llevados a situaciones críticas condicionados por su entorno, casi siempre mujeres que, el director, decía conocer mejor.
Aldo e Irma, bajo la atenta mirada de su hija Rosina
Alida Valli y Steve Cochran 
Aldo ha perdido el amor de Irma, pero intenta recuperarlo con la fuerza del suyo
Aldo frustado, intenta recuperar el amor de Irma por la fuerza
Aldo abandona el pueblo, llevádose consigo a su hija Rosina

 

La niebla del Norte de Italia, en la región del Po, le confiere un aspecto pobre, sucio y abandonado. 
Betsy Blair es Elvia, una antigua novia de Aldo 
Se cruza en el camino de Aldo, la enérgica y vigorosa Virginia, interpretada por Dorian Gray 

 

Lynn Shaw es Andreina, una joven vital inmersa en una mísera vida 
 La soledad y la incomunicación, sentimientos que se encuentran presentes en toda la película
Aldo regresa derrotado y harapiento
De fondo un conflicto obrero, que intenta luchar contra los cambios sociales y la industrialización 
Un grito de desesperación e impotencia
  

 

Director: Michelangelo Antonioni 
Guión : Michelangelo Antonioni

 

 

 

Fotografía: Gianni Di Venanzo  

 

Música: Giovanni Fusco 

Productora: Coproducción Italia-USA, SpA Cinematográfica/ Robert Alexander Productions
 Reparto: Steve Cochran, Alida Valli, Betsy Blair, Gabriella Pallotta, Dorian Gray, Lynn Shaw, Mirna Girardi  

 

 

«La Strada» de 1954 dirigida por Federico Fellini

La Strada de 1954 dirigida por Federico Fellini, fue la primera gran obra del director italiano, una película que te transforma, te deja un poso agridulce y durante días fluyen a tu pensamiento potentes imágenes, la extraordinaria banda sonora y un sentimiento de tristeza y amargura por unos personajes irrepetibles.

 Gracias a la idea original del guionista y dramaturgo Tullio Pinelli, Fellini creó a dos de sus personajes más entrañables. El borracho y violento Zampanó ( magnífica interpretación de Anthony Quinn), superviviente una vida llena de penurias, dedicada a vagabundear por distintos pueblos, mostrando su número de forzudo rompecadenas y acompañado de la sensible, bondadosa y entrañable Gersomina , interpretada por una inmejorable Giulietta Massina. 

«Todos los años vuelvo a Turín a visitar a mi familia. En uno de los puertos de montaña vi a un hombre grande que estaba tirando de un carro con una carpa, en la que había pintada una sirena y una mujer empujaba desde atrás. Cuando regresé a Roma, le dije a Federico que tenía una idea para una película» Tullio Pinelli

Cuando Zampanó se queda viudo, vuelve al mísero pueblo de su mujer y le ofrece un puñado de liras a su ex-suegra, para llevarse consigo a la hermana pequeña. La mujer cargada de hijos y bocas que alimentar, acepta de buen grado el dinero, dejando marchar a su pequeña Gersomina, con el embrutecido Zampanó, su nuevo dueño. De nuevo una muestra de la realidad de la Italia de la postguerra, hambrienta, paupérrima, y en blanco y negro que tan bien retrató el neorrealismo italiano

 Tal vez, la necesidad de Fellini de alejarse de las normas y corrientes políticas del momento, hizo que centrara su atención en el drama personal de estos dos seres solitarios, víctimas de un momento económico difícil, en un país sumido en profundos cambios sociales.

 Gersomina, personificación de la inocencia, siente que nunca ha recibido ni afecto ni respeto, cree que es una persona inútil que no sabe cocinar, ni bailar, ni tocar un instrumento, ni siquiera cree ser una buena amante, cuando Zampanó la obliga a convertirse en su concubina. Sin embargo, a pesar ser golpeada y maltratada por Zampanó, no puede evitar sentir una gran atracción por el mundo que va descubriendo en La Strada, cuando visitan los distintos pueblos, conociendo a personas muy variopintas.

 Cuando intenta escapar de Zampanó cansada de una vida miserable, «El loco» interpretado por Richard Basehart , le dice:

«Todo en ésta vida tiene un propósito. Hasta esta piedra… No, no se cuál es el propósito de esta piedra. Pero debe de tener uno. Porque si esta piedra no es útil, entonces nada tiene sentido. Ni las estrellas. Tú también tienes un propósito..Tal vez te ( Zampanó)…ame.» 

Desde ese momento Gersomina siente que su propósito es permanecer al lado de Zampanó hasta las últimas consecuencias, aferrarse a cumplir y ser fiel a un objetivo en su vida, a tener un propósito, como el pequeño guijarro del campo. La bondad de Gersomina, se estrellará contra la dura realidad del agrio carácter de Zampanó, la pérdida de la razón y su aislamiento en un mundo mejor, lleno de música y benevolencia.

«Hablar de sueños es como hablar de películas, pues el cine utiliza el lenguaje de los sueños; los años pueden pasar en segundos y se puede saltar de un lugar a otro. Es un lenguaje hecho de imagen. Y en el verdadero cine, cada objeto y cada destello, significa algo, como en los sueños» Federico Fellini

FICHA TÉCNICA

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