El Faro es el segundo largometraje del joven director Robert Eggers y narra la historia de dos fareros antagónicos interpretados por Robert Pattinson y Willem Dafoe. El director ilumina y enmarca cada hueso de sus angulosos rostros, cada pliegue facial y recoveco de las hirsuta barbas de los actores, para enfatizar su dolor y creciente locura. La destacada cinematografía en blanco y negro, responsabilidad del californiano Jarin Blaschke, profundiza las sombras y el desasosiego de la película, creando un ambiente de terror sobre la oscuridad interior de los personajes y la exterior compuesta por un faro, una isla rocosa y un mar embravecido.
La película comienza con los dos fareros, uno viejo y experimentado Wake (Dafoe) y otro joven y aprendiz Winslow (Pattinson), llegando a una isla rocosa y desolada. Durante muchos días y noches solitarias, trabajan, comen, beben y cavan el uno junto al otro, estableciendo un antagonismo crispado, agravado por la relación de abuso de Wake sobre Winslow.
Al igual que lo hizo en su debut en el estremecedor largometraje, La bruja (2015), sobre una familia de fundamentalistas religiosos, que vive aislada en un bosque a principios del siglo XVII en la región de Salem de los Estados Unidos, Eggers hace que el mundo aislado de El Faro, sea a la vez reconocible y extrañamente desconocido. El director comparte el crédito del guión con su hermano Max Eggers, donde la imagen del faro evoca visiones de alta mar y tormentas, historias de marinos, con sus supersticiones pobladas de fetichismos, sirenas, monstruos y leviatanes.
La historia es una adaptación libre de una tragedia de la vida real de 1801, llamada «The Smalls Lighthouse Tragedy», en la que dos fareros galeses, ambos llamados Thomas, quedaron atrapados en su estación del faro durante una tormenta. Cuando un hombre murió, se dice que el otro enloqueció. Otras influencias literarias han sido las clásicas novelas de marinos de Herman Melville y Robert Louis Stevenson, y los cuentos de terror sobrenatural de HP Lovecraft, así como Algernon Blackwood.
Para inspirarse en el diálogo, los hermanos leyeron las obras de Melville, Stevenson y más, consultando jerga del siglo XIX y diccionarios náuticos para una jerga concisa. El personaje de Dafoe es propenso a articular soliloquios al estilo de Shakespeare y Milton. Para el diálogo naturalista, los hermanos Eggers recurrieron a las obras de Sarah Orne Jewett, una poetisa y novelista con sede en Maine, mejor conocida por sus obras ambientadas en la costa este, incluidos ‘Tales of New England’ y ‘Strangers and Wayfarers’, ambos publicados en 1890. Como investigación para su propio trabajo, Jewett entrevistó a antiguos marineros y granjeros, a menudo escribiendo en su dialecto.
Asomándose contra el cielo permanentemente gris, esta torre de ladrillo aparece solitaria y siniestra, un gemelo de las chimeneas industriales del siglo XIX. Wake, un viejo marino con el pelo espantado y una barba en forma de cuña digna de Melville, es el veterano guardián de la llama del faro, el guardián de sus tradiciones, lenguaje y supersticiones. (Nunca se debe matar a una gaviota, advierte, pues son la reencarnación de los espíritus de las marinos muertos).
Los movimientos sobresaltados de Dafoe, su rostro fluctuante y sus sonrisas espeluznantes, encajan maravillosamente, con los estados de ánimo de Wake, que se suman a su desestabilización mental. Ladra las órdenes, cuenta historias sin parar, se entrega al sentimentalismo y convierte su boca aullante en un abismo. Para la creciente irritación de Winslow, Wake también guarda la llave de la sala de los faroles, una cámara brillante, casi mística, con un prisma magnífico que proporciona a la película explosiones de luz brillante.
Con control y precisión, iluminación expresionista de las sombras y un marco de película en una proporción de 1.19: 1, casi cuadrado que fue utilizado en los primeros años de sonido por los cineastas, incluidos Fritz Lang y GW Pabst, para aumentar la claustrofobia, que junto con los colores grises, la cacofonía sin descanso, de las olas o la tormenta y un brutal diseño de sonido hace que esta película sea fácil de admirar, tanto en su ambición como en su ejecución.
Debido a que fue filmado en blanco y negro de Double-X, se requirió mucha más luz para la exposición, por lo que cuando filmaron de noche y en interiores, tuvieron que usar entre 15 y 20 veces más luz en el set para ver realmente algo en la película . El equipo colocó bombillas halógenas de 500 a 800 vatios en lámparas de queroseno de período correcto que estaban a solo unos metros de las caras del actor, lo que provocó que el set fuera cegadoramente brillante, por lo que los actores apenas podían verse.
Los actores y el equipo de rodaje filmaron en condiciones climáticas extremas: temperaturas heladas, agua fría del Atlántico, vientos intensos, nieve, lluvia y ninguna flora protectora en el terreno de Forchu los mantuvieron expuestos a los elementos durante todo el rodaje. Gran parte de la película se filmó con elementos climáticos reales, por lo que la mayoría de las veces no se necesitaban máquinas de lluvia y viento, y Eggers afirmó que:
«las escenas más locas y dramáticas se filmaron de verdad»
Iluminado en gran parte del metraje por velas, el horror aterrador está impregnado por una creciente sensación de claustrofobia a medida que se produce una tempestad y envuelve la isla, junto con algo completamente más extraño.
En el diseño del sonido es fundamental la sirena antiniebla, por lo que el diseñador de sonido Damian Volpe recurrió a JJ Jamieson, un artesano en Shetland, Escocia, especialista en el funcionamiento y el mantenimiento de dichas sirenas. Utilizando las muestras de Jamieson del faro de niebla del faro de Nash Point (ubicado en Gales, Reino Unido), Volpe manipuló el sonido y creó una sirena de niebla que era siniestra, memorable y única para la película.
Los escasos paisajes sonoros de Mark Korven, intercalados con el siniestro aullido de la sirena de niebla del faro, reflejan la creciente locura y desorientación de los hombres aislados, mientras la tormenta amenaza con mantenerlos en la isla para siempre.
Eggers difumina sin problemas las líneas entre el espacio físico y el espacio de la cordura de nuestros protagonistas. La película carece en gran parte de mujeres, pero su presencia se hace notar en cada trance del metraje, están presentes en las anécdotas e historias de los dos fareros, en una estatuilla de sirena que Winslow encuentra en el relleno de su colchón y se convierte en su fetiche o en los sueños eróticos de Pattinson con ninfas con genitales.
La historia en El faro es lo suficientemente escurridiza como para invitar a diversas interpretaciones sobre la masculinidad, las relaciones homosexuales y el deseo, incluso otro tema muy sugerente que es la explotación sancionadora de Winslow por parte de Wake.
¿Están Winslow y Wake en el infierno, o tal vez en alguna estación en el camino?
¿Están siendo atormentados por las sirenas y los monstruos con tentáculos que imaginan?
¿O Eggers solo está explorando la locura del aislamiento, los impulsos violentos que pueden venir con la soledad y la represión sexual en el medio de la nada?
Sin embargo, el mayor placer de la película es la puesta en escena y su estilo con claras influencias del expresionismo alemán. En la progresiva degradación de los personajes nos recuerda al cine de Joseph von Sternberg en El ángel azul o La codicia de Erich von Stroheim, una forma de expresionismo tardío que viajó de su original Alemania al cine de Hollywood.
La escasa hierba y los afloramientos rocosos, las habitaciones estrechas y las escaleras vertiginosas hablan de la condición existencial de los hombres: la dureza, el confinamiento y la espiral descendente en la degradación de la dignidad, mientras que (como en «La bruja») un animal amenazante sugiere una amenaza sobrenatural.
Cine hasta el amanecer 